>Thomas Tilly/le Cébron, statics and sowers (Aussenraum)<

Vital Weekly, 2014

On side A we find 'Le Cebron', which is all about the crushing of ice and 'apart from a slight equalization no electronic modification has been done', which is again not easy to believe. However it says also 'composed', so no doubt Tilly has been layering various events together, which perhaps counts for the electronic sounding music. This is another great piece. Especially the way it opens with the breaking of ice on a number of different levels works really fine. Over the course of the piece it seems to be dying out and it disappears, just like ice disappears when summer is coming. It's all a matter of having a pair of great microphones and the ability to choose the right location to make your recordings and selecting those to create a piece. Simple? I don't think so. This is perhaps one of the best of Tilly's works. On the side there is 'Statics And Sowers (For Zbigniew Karkowski)', and this is the first work, which actually uses something else than field recordings. Here it is the recordings beehives and electric circuits (mixing boards with feedback). I am not sure why, but among all these pieces, this seems to be the weakest. In most of his pieces Tilly works with a minimal amount of sound information to a maximum extent, but here the recordings of the beehives (which sound like beehives, unlike many other Tilly field recordings) don't seem to be mixing very well with slightly deep drone like sound matter from those resonating mixing boards picked up with a trans inducer. It's quite minimal too, but perhaps too 'easy' to make and the maximum output seems to be lacking. A lof of music from Tilly, with most of them being very good. FdW

Improv sphère, 2014

Thomas Tilly ne s'intéresse qu'aux sons naturels, en tout cas, au sein de ses enregistrements publiés. De tout ce que j'ai entendu, depuis les prises de sons hydrophoniques jusqu'à celles en forêt tropicale, en passant également par des prises de son au bord d'un lac français et de ruches d'abeilles, comme on peut en trouver sur un vinyle également publié cette année par le label aussenraum, et intitulé Le Cébron / Statics and sowers, il n'y avait que des enregistrements en milieu naturel - hormis sa collaboration avec Jean-Luc Guionnet (qui, par ailleurs a réalisé les dessins de la pochette de ce dernier vinyle), qui n'est pas une œuvre de field recording. Le Cébron est le nom du lac où la première pièce a été enregistrée, un lac français au bord duquel Thomas Tilly et quelques personnes ont manipulé de la glace. C'est aussi le nom de cette pièce sous-titrée Musique concrète du dehors. Car tout donne l'impression d'entendre des manipulations électroniques d'enregistrements, et pourtant non. Encore une fois, pas d'édition, pas de traitement électronique, hormis une équalisation. Thomas Tilly, j'imagine, a su bien coordonner la manipulation de la glace pour obtenir des sons vraiment étonnants, et proches de la musique électronique. Mais il a également su choisir ces enregistrements et les assembler de manière à faire une sorte de suite qui va decrescendo, une suite avec de moins en moins de volume et de plus en plus d'espace, qui prend également en compte le bruit de l'air sans qu'il soit réellement présent, et se place dans une atmosphère et un territoire sonore vraiment originaux. Quant à Statics and sowers, dédicacée à Karkowski, il s'agit ici d'un mélange d'enregistrements de ruches et de tables de mixage en larsen. Les sources sont donc multiples, et se distinguent clairement. Je ne sais pas si Thomas Tilly a décidé de rajouter du larsen pour l'hommage à Karkowski, ou s'il était seulement attiré par la ressemblance qu'on peut trouver entre le son des ruches et les parasites des tables de mixage. En tout cas, cette deuxième pièce, pour ce qui est des prises de son, est tout aussi épurée et redondante que la première, tout aussi riche aussi. L'ajout d'électroniques met du mouvement et de la profondeur aux enregistrements, et permet d'élaborer un dialogue entre deux milieux qu'on aurait jamais imaginé voir se rencontrer... En tout cas, Thomas Tilly démontre encore une fois qu'en adoptant une posture instrumentale lors de la prise de son et une posture de compositeur lors du choix des prises, de leur assemblage et de leur mixage, on peut faire résonner le monde tout autrement sans le modifier, on peut le transformer en musique sans le traiter. Avec de la patience et du travail, tout semble pouvoir devenir musique, tout l'environnement sonore semble être potentiellement musical.

Zones d'activité humaine quotidienne ou industrielle, zone naturelle peuplée par des animaux ou non, zones d'activité de certaines espèces, cours d'eau, aéroport, zone urbaine désaffectée, etc. la diversité offerte par le monde semble être une source inépuisable d'un côté. Mais de l'autre côté, le plus vertigineux, c'est certainement la créativité des artistes et la faculté d'approcher le monde d'autant de manières différentes que de personnalités presque. Si la source des musiciens et leur volonté sont les mêmes (utiliser l’environnement sonore pour faire de la musique), les approches différentes créent autant de mondes sonores et de mondes musicaux qu'il y a de manière d'aborder le field-recording. Autant d'esthétiques possibles et de transformations du monde ou de la musique, toute la richesse de cette pratique vient de cette confrontation entre la manière d'aborder l'enregistrement, celle de considérer la musique, et la manière dont on concilie les deux. Julien héraud

Just outside, 2014

Fitting, I suppose, that a record, half of which chronicles the shattering of ice, should be pressed on clear plastic. Side One documents said breakage, recorded on the shores of Lake Cébron in France, ably assisted by a trio of shatterers. The combined crackling sound of the destructive process necessarily includes the sense of watery ambiance, a lovely combination. Tilly maintains that, apart from a "slight equalization no electronic modification has been done" which makes the sounds all the more astonishing, seeming, as many of them do, to have been culled from an elaborate and dense bit of INA GRM-y software. There's a minimal sense of the surrounding air, much more of a feeling of being right at ice level, inches away from the action. The piece has clearly been composed and it flows, bumps and all, very well, a natural sounding cascade of shards."Statics and sowers" involves beehives and electronics, and is roughly divided into three sections. The apiaries come first, an intense and just slightly creepy horde of buzzes near and far; fine depth here and more than a little uncomfortable. Quite abruptly, the bees are sharing the stage with a swathe of electronics (perhaps bee-sourced, hard for me to tell). A loud static charge all but submerges them as the music moves into a multi-layered, throbbing drone (pun intended). I found this portion less interesting, the general sound a bit too much like any number of drone works. But matters are redeemed a few minutes from the end when another harsh shift reintroduces the hive, but dimly, embedded in static fragments and barely contained feedback. This somehow comes across as very disturbing, not sure why. But it's an effective end for a very interesting venture. Worth hearing.
Brian Olewnick

The field reporter, 2014

I like surfaces. They make things what they are and without them we can’t have depths, because to be deep is to be a long way from the surface in a downward direction, and we need a point to measure from. Surfaces are boundaries between different states of being. The ice on a frozen lake is solid and it divides the gas above and the liquid below and it glints in the winter light and it creaks as the wind buffets it.
The 12″ circle of vinyl that these sounds are embedded in is itself a round lake surface, because it is opalescently ice coloured. A translucent cypher for the subject matter within. Indeed my copy has a dark line running through the material from the outer edge to the central hole, making the record a picture of imminent fracture, of breakage and fissure, like a crack from the perimeter firing through to the core.
In the apprehending of le Cébron (musique concrète du dehors), named after the lake on which it was made, the surface feels tense as a drum skin, stretched and taut as it responds to the actions of Sylvain, Phillipe and Julien – credited here for ‘crashing the ice’. At times sounds reminiscent of those produced in recordings of wire fences or sprung metal are created. The brittleness and hardness of this frozen medium highlights the solidity of it, and yet the ease with which it is broken points out its impermanence. Without doubt it will become thin, disseminate and dissolve into a fluid state with the passage of time.
In small detonations of crackling animation, shards splinter and slide and sprawl and unfold and abrade against each other across the stereo field. Attack and decay made tactile.
Thomas Tilly has angled the work to reflect the truth that this frozen water is completely dependent on the liquid beneath on which it floats and the air above remaining cold enough to sustain it. As ice is forcibly broken the water under it readjusts itself after the trauma by gurgling and trickling back to its predetermined equilibrium again. In the air above waterfowl call quietly in the gently shifting air.
With each side of vinyl devoted to a single track, the second composition, Statics and sowers (for Zbigniew Karkowski) walks the ephemeral tightrope between the worlds of insect produced sound and electronic emission. It has always been a mainstay  of the lazy reviewer to equate the clicks and glitchery of electrons coursing through silicon components to the scrapes and buzzes of insects’ beating wings and rhythmic abrasions. There is a tension between these sounds. Tilly plays with the tension and avoids getting stung.
Immediately the record begins spinning we are dropped into a maelstrom of buzzing bees, a cricket-like clicking forms from below and exists for a while as a symbiotic factor. Oh yes, we are certainly in thrall to the laws of the apian colony, but as if leaking through the hive walls electrical manifestations creep in. Like the free scrawl and crosshatching of Jean-Luc Guionnet’s drawings which adorn the cover, hive life is busy and highly kinetic.
After some time a drop into a plasma field occurs and the insects circle the outside but are never let in. Clouds of luminous vapour and bristling molecules float impermanently. They fade. Their existence is brief. The bees return.
Throbbing obliteration occurs later, suddenly and loudly in a fluctuating and deep envelopment. A connection is broken after several minutes of heavy vortex and with a final glitch-burst the clear air returns. All that remains is the lingering of background static, a few trails of fading squall and of course the bees.
Aussenraum only release vinyl and they do it with great thought, and removing this artefact from the turntable I’m reminded again of the frozen lake. The record is ice, a frozen lake. But outside the sun is shining, and a bee is noisily arguing with the glass in the window. I open the window slightly and carefully guide it out. I watch it fly over the fence and across the street and finally disappear.
Chris Whitehead

A closer listen, 2014

Summer and winter rest on opposite sides of opaque vinyl like opposing hemispheres. Need to cool down?  Try Side A.  Shivering?  Flip to Side B.  There’s always different weather somewhere, and le Cébron / Statics and sowers is a reminder that each season has its turn.On the surface (pun intended), each side boasts a central theme: ice on Side A, bees on Side B.  Yet each also yields a separate fascination.  In “le Cébron”, it’s what’s going on above and around the lake: birds, planes, the sound of distant traffic.  Contrary to popular belief, the world does not stand still, even when frozen.  Thomas Tilly traveled to the frozen lake with three friends and a fun proposition: you smash the ice, I’ll record it.  This is the natural extension of a childlike glee; those raised in colder climes likely have their own memories of smashing ice on lakes.  But it’s more than just the joy of harmless destruction (although one wonders at the sound of sirens midway; did someone report the quartet?).  Tilly’s interest lies in the unique resonances produced by ice and the boundaries of ice, from thimbles of sound to cascades.  Different temperatures produce different frequencies; different thicknesses produce different timbres.  In short, one cannot hear these sounds anywhere but the areas in and around frozen water: the sound of ice skittering across ice, the echoes of air bubbles frozen then freed.
The extra element in “Statics and Sowers” is the feedback of a mixing board, which seems to duet with the bees.  A hive is a bustle of activity, the polar opposite of winter stasis.  “Busy as a bee”, the saying goes, and these bees are no exception.  As they zip around the speakers, one is grateful that they are not inside the house.  The first low-pitched sound seems at first to be that of an approaching truck, but soon reveals itself to be electronic in nature.  Higher-pitched tones eventually enter, dueling with the bees for prominence in the mix.  One wonders what effect the live feed might have had on the hive.  At times, one is unsure which is which, as the duet becomes a sonic melting pot. The track seems to be a natural outgrowth of Tilly’s Script Geometry, released concurrently on Aposiopèse, especially the piece “Unidentified Insects Colony”.  On that album, Tilly treated his rain forest recordings as “synthetic sounds”.  When describing his work, the sound artist wrote that something in the forest “sounded like electronic noise”, although the opposite is more accurate.  “Statics and Sowers” pushes this idea to the extreme by allowing the natural to bleed into the unnatural.  And yet, the body is still hard-wired to react to potential threat.  No matter how menacing the electronic tones may grow, they cause less consternation than the thought of being stung by a single bee.
Richard Allen

Le son du grisli, 2014

Le disque porte les noms de deux ouvrages achevés récemment par le phonographe Thomas Tilly : Le Cébron (musique concrète du dehors) à trouver en première face, Statics and Sowers (for Zbigniew Karkowski) en seconde. Avec deux comparses, Tilly est donc allé remuer la glace qui recouvrait un jour le lac du Cébron pour composer ensuite avec les sons collectés. C’est un lac entier qu’il a ainsi transféré en bâton de pluie, et qui lentement tombe à chaque retournement. Dans sa chute, il chuinte, crépite et emporte jusqu’au souvenir de ce qu’il était. Avec la même prévenance, certes obligée davantage, Tilly approcha quelques ruches pour faire chanter l’abeille – tradition venant de la poésie orientale, si l'on en croit Graeme Revell –, et la faire converser avec une table de mixage en feedback. S’agit-il pour la nature et la technique de cohabiter, sinon de rivaliser ? Si l’on se demande lequel de l’abeille, de la machine ou de Tilly bourdonne, on peinera à identifier celui des trois qui parvient à établir le contact au fil d’une construction sonore en tous points remarquable.
guillaume Belhomme

Neural, 2014

This release is a refined edition and a rarity for collectors: a 180g transparent vinyl, whose artwork and customised centre have been designed by Jean-Luc Guionnet, an artist with a taste for improvisation (in both music and painting). The latest album by Thomas Tilly, a French sound artist who loves field recordings and dense electronic elaborations, presents two different compositions: ‘Le Cébron’ and ‘Statics and sowers’. The first track is based on captures made near a frozen lake, while the second combines recordings from beehives and mixer feedback. Tilly is a field recordist, but he also likes to work on tape music compositions and improvisation, a style that could be defined as noise, with his “tastes” clearly manifested in the audio captures he presents. Textures created out of the sounds of ice breaking have a grainy, pointillist quality. These are combined with unclear background noises that stretch over a large frequency range. The swarming of bees in the second track produces some very interesting vibrations. It may be pointed out that this is not the first time that glaciers and bees have been the subject of sound research, but originality in the choice of subjects is not the only criteria by which to judge experimentations of this kind. This project is coherent, skilfully executed and engaging. Apart from a few irritating passages the album follows a delicate path, climaxing in the middle part of the second tune with quick, incessant feedback loops. A great production that will certainly appeal to lovers of this genre.
Aurelio Cianciotta

>Thomas Tilly/Script Geometry (Aposiopese)<

Revue & corrigée, 2015

Le Script Geometry de Thomas Tilly est la résultante d'un projet au long cours mené conjointement avec le Confort Moderne, Jazz à Poitiers et le Lieu Multiple. Une synthèse de cette boucle commencée en 2013 après des premiers contacts avec le CNRS amazonien des Nouragues (Guyane), pour un projet d'allers et retours entre enregistrements in situ en résidence pour restitution. Un vrai projet, un vrai travail, travail sur soi aussi : détermination, engagement total, pour une musique totale. "Envisager la forêt comme une ville" : tout est mis en oeuvre dans le processus d'enregistrement pour mener à bien ce postulat. J'aime ce questionnement du "pourquoi je vais enregistrer aujourd'hui, et dans quel but ?". Thomas répond à ces questions de fort belle manière. Les prises de sons sont retravaillées minutieusement. Juste ce qu'il faut pour appuyer le fait qu'un environnement tel que l'Amazonie, aussi hostile qu'il soit pour nous occidentaux, est aussi musicalité. Quand je vous parlais d'engagement total. Une musicalité faite de signaux ouverts, de sensations d'apaisement verticaux, de nuits moites, de bulles acoustiques proches de la bioacoustique - ce que défend justement très bien Thomas Tilly. Un objet magnifique, double LP et CD, des prises brutes(un peu dures à écouter parfois sur la longueur, ce qui renforce et justifie son travail de faibles traitements dans la finesse), qui formule parfaitement bien l'aboutissement de son approche du matériau.
Cyril Lanoë

Feardrop, 2015

Il est fréquent, et même inévitable, que les créations humaines, et jusqu’à leurs plus complexes organisations, soient comparées à ce que l’on trouve de plus analogue dans la nature par similitude scientifique ou par métaphore poétique ; on dira d’une entreprise qu’elle est une fourmilière, d’une maison qu’elle est un antre. Mais le retour de cette expérience est bien plus rare. C’est ce qu’a souhaité faire Thomas Tilly (Tô) dans ce travail spécifique autour de la forêt. Un tel ensemble naturel, ou considéré comme tel, aussi transformé par la gestion de l’homme qu’il soit devenu, représente aux yeux de tous une matrice, cet entrelacs mystérieux d’où est sorti l’ancêtre préhistorique et où retourne le « rebelle » lorsqu’il a « recours aux forêts ».

Thomas Tilly, à rebours de cette conception romantique de la forêt, met en œuvre le retour d’analogie suivant : « Envisager la forêt comme une ville, une construction, un ensemble fait de strates et de verticalités où des signaux se répondent, s’opposent et s’ignorent. Des variations s’opèrent, des pleins et des vides se créent en fonction du temps, des heures de pointe et des heures creuses. Cette densité dont les langages nous échappent met l’oreille à l’épreuve et laisse apparaître de temps à autre des analogies avec un environnement sonore moderne. » Après tout, habitués que nous sommes à nos environnements modernes, il n’y a rien d’étonnant à entamer cette démarche qui, il y a cent ans encore, aurait – abstraction faite de la quasi-impossibilité technique – semblé paradoxale. Ainsi Thomas Tilly a élaboré le concept de Script Geometry autour d’analogies contre-nature. Il explique lui-même dans le livret qu’il existe quelque chose dans la forêt tropicale qui « sonne et joue comme l’électronique », quelque chose « caractérisant une ère bien postérieure à celle de la naissance des biotopes ».

Ainsi fécondée par le regard en miroir de l’homme moderne, la forêt (celle des Nouragues en Amazonie guyanaise) livre ses secrets au musicien expérimental, habitué à la prise de son, le field recording, et à sa manipulation plus ou moins complexe (aucun traitement électronique des sources précise-t-il). Jamais, ou presque, le travail de Thomas Tilly, y compris sur les passages durant lesquels le field recording est proposé intouché, sa musique ne se laisse longtemps comparer à celle d’autres figures du travail sur la luxuriance tropicale ou équatoriale comme Francisco López, Artificial Memory Trace ou Yannick Dauby. Cela tient-il à ce curieux projet de mettre en avant la ressemblance de la forêt avec le milieu urbain ? Toujours est-il que Thomas Tilly ne cède pas à la tentation de l’abondance. Même les pièces les plus denses demeurent assez aqueuses dans leur stratification pour que le fluide l’emporte sur le choc minéral. Les constructions nocturnes évoquent immanquablement la perte de profondeur que l’on éprouve en de tels moments. La discrétion des appels animaux, amphibiens et oiseaux, leur doux écho calfeutré, se font plus enveloppants que mouvants, à une distance que l’on ne sait évaluer. De la sorte, ces morceaux font voyager plus loin que la seule qualité du son, transcendantale, le permettrait, et présentent de sobres mises en scènes du fourmillement timide. Les sources, présentées avec ou sans montage, parfois mises en œuvre dans une composition, sont bien de la forêt, mais leur langage exprime une complexité où l’organique se mêle au cliquetis, appelant incontestablement l’image de la ville revendiquée par le musicien. Certaines plages sont rêches, dénonçant peut-être la colère des insectes, d’autres élaborent un bourdonnement anticipant le fredonnement romantique. Toutes ont ce curieux pouvoir, je ne sais si Thomas Tilly m’approuverait, de faire naître des images de palpes aux rutilances métalliques, aux souffles enveloppants, outils d’une possession tout aussi impérieuse que celle de la ville, et pas plus apaisante.
Denis Boyer

The Sound Projector, 2015

Obtuses Angles

Script Geometry (APOSIOPÈSE 09) is a generous collection of field recordings made by Thomas Tilly, notable for his impressive recordings of water beetles in a castle moat in France in 2009 on Cables & Signs. For this release he did it in French Guiana in the middle of a tropical rain forest, focussing mainly on animal communications – birds, insects, and frogs. But he was also after something less obvious with his powerful microphones, namely “the inaudible that exists in the ultrasonic spectrum”. Accordingly, much of the sound art on this set is dense, intensive studies of continuous low-level sounds, which occasionally break out into alarming, almost alien sounds – clacks, creak, twitters and barks – the eerie language of the animal and insect and avian kingdoms, plotting our downfall as they confer in their secret conspiracies using strange tongues.

Tilly also considers that there is a meaningful bond between nature recordings and electronic music, something he is keen to exploit and explore; it may even go beyond a superficial sonic resemblance. Matter of fact the water beetles on that previous recordings were often mistaken by many listeners for programmed and manipulated digital sounds. It may be our fault. Due to our modern-day conditioning, it seems we urban types can’t help mishearing natural sounds as doorbells, mobile phones, computers or other technology-based objects that we’re more familiar with. What begins as an analogy for Tilly is gradually turning into a methodology, as he describes “taking these sounds out of their context and rearranging them as we would patch cables on a synthesizer.”

Script Geometry isn’t all done that way, though; it in fact contains a very varied mix of untreated field recordings – identified by the creator under the broad term “phonography” – and compositions, where editing and mixing (and sometimes filtering) was allowed. Presumably it is on the compositions, for example the long pieces ‘Crossroads, phasing’ and ‘Crossroads, nodes’, where Tilly is applying his “patch cables on a synthesizer” approach. For the former type, there is a concern with purity and unadulterated content, and he stresses that “no electronic treatment has been added to these recordings other than a low cut filter and a light EQ mix”. In short if you want to hear wildlife performing in ways that are almost indistinguishable from synthesised electronic music, then this is the record for you.

Also noteworthy is Mélanie Bourgoin‘s artwork. It’s possible to read the image as a stylised bird’s head, dipping its beak into a stylised stream. But the shapes also resemble reels of magnetic tape, and the concentric circles recall the grooves of a vinyl record. She probably used computer-assisted drawing to achieve this high degree of geometric precision, but I would say it’s rare that we get a cover image that’s in such direct sympathy with the album, interpreting and iluminating it appropriately. Arrived 28 April 2014; available as a double-LP or CD set. Further information about the whole project here.
Ed Pinsent

Souffle Continu, 2014

’Cet enregistrement est le fruit du travail de Thomas Tilly sur les stations du CNRS au Nouragues, une réserve naturelle de forêt primaire située au cœur de la Guyane. Une rencontre avec une nature sauvage, parfois hostile, et toujours vivante ! Et évidemment une activité sonore hallucinante. Aussi palpitant qu’un disque de Chris Watson.’’
Théo Jarrier

Improsphère, 2014

Avec Thomas Tilly, c’est encore une toute autre manière de travailler la matière environnementale, comme le montre un de ses derniers disques en solo, le superbe Script Geometry, un double LP plus un CD publiés par le label Aposiopèse. De la prise de son au montage, cet artiste nantais considère tout le processus de création comme un acte musical. Il ne s’agit d’enregistrer le premier environnement donné et de se dire qu’on pourra bien en faire quelque chose à un moment. C’est ce que laissent ressentir ces enregistrements réalisés en Guyane française en tout cas. Pour Thomas Tilly, l’environnement sonore semble bien être une sorte de matériau sonore, quelque de pas encore musical, mais déjà modelé d’une certaine manière, et qui ne redemande donc pas forcément un travail d’arrangement et de déformation comme dans la musique concrète.

Le matériau sonore que forment le monde et l’environnement sont des données qui ont déjà leur propre forme. Cela ne veut pas dire qu’il ne demande pas être travaillé, cela laisse seulement penser que le monde possède sa propre beauté, sa propre musicalité, mais qu’il reste encore à la découvrir et la mettre en forme pour la mettre en valeur. Si Thomas Tilly ne travaille que très peu ses prises de son, il n’utilise aucun effet électronique et équalise seulement ses enregistrements, en leur appliquant au maximum un léger filtre des fréquences basses en plus, le travail effectué est tout de même considérable. Pour ce disque, Thomas Tilly a passé un mois a enregistré une zone de biodiversité en forêt tropicale guyanaise. Un mois, jour et nuit, à accumuler des prises de sons classiques, mais également des prises de sons ultrasoniques pour mieux capturer la présence des communications animales notamment. Le travail d’enregistrement est déjà monumental, comme le laisse penser le CD présent dans cet album. Il s’agit ici d’une seule pièce d’une heure qui «documente» l’environnement sonore guyanais sur une longue durée. Un long enregistrement beau pour son exotisme peut-être, mais surtout pour sa simplicité et son minimalisme.

Sur les deux vinyles par contre, il s’agit de pièces plus courtes, entre 1 et 15 minutes, des pièces parfois mixées et éditées, parfois de simples phonographies, ou une superposition de phonographies sans édition. A vrai dire, c’est assez difficile de distinguer ce qui est mixé de ce qui ne l’est pas, puisque le travail de composition semble s’accomplir dès la prise de son, à travers le choix de micros, la situation géographique, l’orientation, etc. En tout cas, avec cette matière plutôt brute, Thomas Tilly a su composer neuf pièces avec des couleurs propres, une ambiance spécifique, une atmosphère singulière, etc. Il est parvenu a véritablement composer de la musique avec le bruit du monde, à créer une architecture sonore magnifique pour ses textures, pour ses constructions, pour ses dynamiques. Et il y est parvenu car il manipule les micros comme un instrumentiste, dans une attitude et une posture proprement musicales, et car il sait choisir et manipuler ces prises de sons comme un compositeur. Ce n’est pas que du bruit, ce n’est pas que du field-recording, c’est de la musique, et de la bonne musique.
Julien Hérault

Vital Weekly, 2014

You will have to believe me when I state that both these releases came in the same week. I usually don’t tend to investigate what’s coming and saves things up to lump ‘m into one review. One is ‘just’ a LP and the other one is quite a massive packaging from field recordist Thomas Tilly. A double LP and a CDR of the source material. For this work he went to the Nourages scientific research station in French Guiana, in the middle of the rain forest. For thirty days he recorded sounds with an emphasis on animal communications, some of these using ultra sonic translators. ‘No electronic treatment has been added to these recordings other than a low cut filter and a light EQ mix’ it says on the cover and we have to believe that, sometimes hard as it is. However some of the recordings are overlaying each other so a more dense pattern arises, and the chirping of insects that is already a bit electronically sounding are emphasized, such as in the opening piece, ‘At Night, Mass’. The pieces on this record shift back and forth between untreated - as ‘no mixing, no editing’ - and ‘composition, classic and ultrasonic recordings. Mixing and editing’, and especially those pieces, say ‘Crossroad, nodes’ have a highly electronic feel to them. A very minimal piece of electronic music, almost like a modular synthesizer piece, but maybe a bit less organised, following the more chaotic patterns of the nature sounds. I thought this was a great record. Very much originating in the world of field recordings, but then, the result, from an entirely different kind of planet. ‘Unidentified Insects Colony’ is almost like The Haters ripping paper and doesn’t sound like an unidentifiedd insects colony at all. A truly fascinating work of which the hour long CDR is a nice bonus. Maybe something for the die-hards I guess, but it makes the package all the more complete.
The other record contains two sidelong pieces. On side A we find ‘Le Cebron’, which is all about the crushing of ice and ‘apart from a slight equalization no electronic modification has been done’, which is again not easy to believe. However it says also ‘composed’, so no doubt Tilly has been layering various events together, which perhaps counts for the electronic sounding music. This is another great piece. Especially the way it opens with the breaking of ice on a number of different levels works really fine. Over the course of the piece it seems to be dying out and it disappears, just like ice disappears when summer is coming. It’s all a matter of having a pair of great microphones and the ability to choose the right location to make your recordings and selecting those to create a piece. Simple? I don’t think so. This is perhaps one of the best of Tilly’s works. On the side there is ‘Statics And Sowers (For Zbigniew Karkowski)’, and this is the first work, which actually uses something else than field recordings. Here it is the recordings beehives and electric circuits (mixing boards with feedback). I am not sure why, but among all these pieces, this seems to be the weakest. In most of his pieces Tilly works with a minimal amount of sound information to a maximum extent, but here the recordings of the beehives (which sound like beehives, unlike many other Tilly field recordings) don’t seem to be mixing very well with slightly deep drone like sound matter from those resonating mixing boards picked up with a trans inducer. It’s quite minimal too, but perhaps too ‘easy’ to make and the maximum output seems to be lacking. A lof of music from Tilly, with most of them being very good.
Frans de Waard

Métamkine, 2014

Les habitués de Metamkine connaissent le travail de Thomas Tilly, sous son nom ou sous celui de Tô. Adepte d’une part de l’improvisation bruitiste avec micros, haut-parleurs et surfaces amplifiées au sein de L’échelle de Mohs, il travaille seul avec le microphone et ses oreilles plongé dans un environnement sonore et sa confrontation avec l’espace. Son travail emprunte autant à la recherche musicale expérimentale que scientifique. Durant le mois de Mars 2013, Thomas Tilly est parti travailler sur les stations du CNRS au Nouragues, une réserve naturelle de forêt primaire située au cœur de la Guyane. Une rencontre avec une nature sauvage, parfois hostile, et toujours vivante ! Et évidemment une activité sonore hallucinante. Dans ce projet, Thomas Tilly tente d’aborder ‘ces environnements sonores naturels comme des ensembles connectés, complexes, dans lesquels l’oreille humaine trouvera une analogie étonnante avec la musique électronique. Script geometry propose une écoute sensible et engagée de phénomènes sonores inattendus, affirmant la subjectivité de la pratique du microphone comme le véhicule d’une forme de musique expérimentale’. Tout simplement excellent !
Jérôme Noetinger

Le son du grisli, 2014

Sur Script Geometry, Tilly agence cette fois des enregistrements réalisés en Amazonie guyanaise – la forêt y grouille en effet d’animaux aptes au dialogue. Si l’on soupçonne quelques particules de synthèse dans l’atmosphère en balancement que Tilly donne à entendre tel quel ou édite avec savoir-faire, la faune y chante (fière ou en toute discrétion) bel et bien, toujours.
Guillaume Belhomme

Monsieur délire, 2014

Aposiopèse a publié un gros projet du phonographiste Thomas Tilly, qui a passé un mois à faire des enregistrements en Amazonie guyanaise. Script Geometry prend la forme d’un vinyle double accompagné d’un CD (j’ai eu droit à des transferts sur CDr accompagnés d’un livret complet). Sur les vinyles: une sélection d’enregistrements ordinaires et ultrasoniques présentés parfois à l’état brut, parfois sous forme de compositions, le tout bien identifié. Les prises de son sont splendides, les univers présentés complexes et fascinants. Je préfère les deux morceaux composés, particulièrement “Crossroads, phasing”, où Tilly bâtit une masse très vivante à partir de ses trésors sonores. Et dans “La grotte parfum” on a droit à un combiné prise ordinaire et prise ultrasonique qui restitue le spectre complet de la vie qui bat. Le CD, lui, propose une prise de son nocturne d’un heure à l’état brut qui sert de point de référence pour l’environnement qu’a sillonné Tilly pendant un mois. Un travail très solide. À l’écoute de ce matériel, pas sûr que je m’aventurerais seul dans la forêt amazonienne à la nuit tombée.
François Couture

A closer listen, 2014

The track seems to be a natural outgrowth of Tilly’s Script Geometry, released concurrently on Aposiopèse, especially the piece “Unidentified Insects Colony”.  On that album, Tilly treated his rain forest recordings as “synthetic sounds”.  When describing his work, the sound artist wrote that something in the forest “sounded like electronic noise”, although the opposite is more accurate.
Richard Allen

Loop, 2014

Thomas Tilly is a French sound artist who is based in Nantes working in the field of concrète music, phonography and field recordings. Since 2001 he has released 10 albums on independent labels like Fissür, Circum-Disc, Aussenraum and Aposiopèse, among others imprints. ‘Script geometry’ originally released on vinyl and 3xCD’s is composition based in field recordings that took place in March 2013 in the Nourages scientific research station in French Guiana, This station is responsible for investigating tropical forests and their biodiversity. Thomas Tilly stayed there 30 days and 30 nights as an artist-in-residency programme, capturing the sounds of the environment and wildlife of this place. Some of the sounds are perceptible but others are virtually inaudible and none of them were electronically treated. Thomas Tilly makes us part of an unknown world, with little human intervention, a virgin and natural territory in preservation with unexpected animals captured by sophisticated microphones.
Guillermo escudero

CNRS Guyane, 2013

Thomas Tilly est un artiste sonore. Il séjourne actuellement sur la station des Nouragues pour la réalisation du projet artistique Script Geometry autour de la musicalité de l’environnement naturel.
 
Thomas Tilly est un drôle de gars. Haut de près de 2 mètres, c’est encore rallongé d’une perche et le nez en l’air que je le rencontre sur la station des Nouragues. Il est là à capter des sons : une troupe de singes traverse la canopée. Cela fait seulement cinq jours qu’il est sur le site mais semble déjà parfaitement à l’aise. Il n’ a pourtant pas le profil habituel de ceux qui séjournent ici pour le travail. Sur la station scientifique des Nouragues, fleuron de l’écologie tropicale située au cœur d’une réserve naturelle, on accueille surtout des chercheurs, et Thomas Tilly n’en est pas pas un, en tout cas pas au sens où on l’entend sur ce site. Il est un artiste sonore.
Sa matière d’étude est le son, et pas n’importe lequel : ce qui intéresse l’artiste, c’est le son que l’on ne peut entendre, soit parce qu’inaudible de nos oreilles humaines, soit parce que nos filtres mentaux ont depuis longtemps fait le tri entre les bruits qui méritent d’être écoutés et les autres, tous les sons de notre environnement que nous avons appris à traiter comme de vulgaires spams* pour finir par n’y plus prêter la moindre attention.
Thomas Tilly s’intéresse donc à tous ces sons cachés. Un vol de chauve-souris qui traverse le sous-bois, des poissons qui fraient dans un rivière, les bruits produits par la nature ou, dans d’autres contextes, la ville et l’activité humaine. Toute cette matière sonore, issue de l’environnement, est captée par diverses techniques d’enregistrement.

Mélodie du compost

La performance artistique de Thomas Tilly réside ensuite dans sa manière de redistribuer ces sons, qui tout en conservant leur caractère original se retrouvent agencés - «spatialisés» - afin de sculpter ce que l’artiste décrit comme «un paysage sonore». Les pièces sonores de Thomas Tilly se visitent dans le noir, assis ou allongé. Il faut se laisser transporter sans à priori dans cette aventure artistique qui réserve quelques surprises. Une démonstration sur la station, un soir aux Nouragues, met en appétit avec d’étranges sonorités de broyage ou de frottements. C’est difficile à identifier. L’artiste nous apprend qu’il s’agit de la douce mélodie du compost en décomposition. Soupçonnerait-on une telle vie entre les épluchures de pommes de terre et autres reliefs de repas ?
Au delà de ces sons basiques, de cette matière brute, le projet qu’est venu réaliser Thomas Tilly aux Nouragues reflète toute l’ambition de l’artiste associé pour l’occasion à trois partenaires culturels de la région de Poitiers, d’où il est originaire : le Confort Modern, Jazz à Poitiers et le Lieu Multiple. Ces trois lieux programment une série d’évènements, entre février et juin, autour de son concept intitulé Script Geometry, organisé autour de la musicalité de l’environnement sonore naturel.
L’un des points d’orgue consiste en une composition qui sera réalisée à partir des matériaux enregistrés aux Nouragues. L’artiste explique envisager la forêt comme une construction sonore faite de strates et de verticalités. Les signaux qui se répondent et s’opposent amènent à percevoir une forme de musique expérimentale, proche d’un bruit électronique. Selon Thomas Tilly, tout cela caractérise une sorte d’ ère postérieure à la naissance des biotopes qui composent la forêt, et qui en créent les sons. C’est cette vision des choses qu’il souhaite partager à travers son œuvre.
Soucieux de connecter son propre travail aux recherches menées par les scientifiques, Thomas Tilly a invité, lors d’une de ses premières représentations à Poitiers, la jeune chercheuse Amandine Gasc, bioacousticienne, qui s’intéresse de près à la possible caractérisation de la biodiversité par le son, dans des environnements complexes comme la forêt amazonienne.
Thomas Tilly est en Guyane depuis le 28 février. Il passe l’essentiel de son séjour sur la station des Nouragues avant de repartir en métropole le 30 mars pour s’atteler à la production artistique de son projet. Gaëlle Fornet

4against4.com, 2014

Cage’s inclusion of natural sounds as musical entities finds a resonance in Script Geometry, the striking new double album from French sound artist Thomas Tilly, out now on the Aposiopèse label. Tilly’s starting point is a collection of field recordings made over the course of a month spent in the tropical rainforest of French Guiana. He describes how he “listened to and captured the sound environment with an emphasis on animal communications, those which are perceptible to the human ear, but also the inaudible that exist in the ultrasonic spectrum”. These recordings are presented in two ways, the first of which is overtly hands-off, Tilly allowing them to speak for themselves in a raw state, without editing or mixing. But far more impressive are the several pieces Tilly composes using these recordings, mixing & layering them into awesome vistas of sound. Sometimes (as in the opening track, ‘At night, mass’) this appears at first hearing to result in cacophony, but gradually one realises there’s a huge sense of perspective, enabling listening at different ‘depths’, so to speak. Another composition, ‘Crossroads, phasing’, challenges the instinct (for both recordist & listener) to move on from a seemingly unchanging sound, but persistence is rewarded, as the soundworld is constantly in flux; furthermore, this track powerfully conveys the heat of Tilly’s environment, practically conjuring up humidity. An engrossing album, it’s crowned with a one-hour untouched ‘reference recording’ that opens a large-scale window on the epic panorama of the rainforest. Aposiopèse have spared nothing in presentation: Script Geometry is available as a sumptuous double-vinyl set (cut by none other than Rashad Becker) with the reference recording on an accompanying CD; for the turntabley-challenged, there’s a lossless digital edition also available.

Subjectivisten.nl, 2014

Thomas Tilly is een artiest die werkt met veldopnames. Na al eerder de CD Cables & Signs (Ten Underwater Field-Recordings) (Fissür, 2010) te hebben gehoord was ik wel erg benieuwd naar deze dubbel LP + CD. En het wachten tot dat deze hier belande was zeker de moeite waard want dit is toch wel een hele bijzondere zit. Tilly werkt op deze plaat met geluiden opgenomen in de oerwouden van Frans Guinea, welke hij soms onbewerkt dan weer totaal bewerkt laat horen. De geluiden van vogels, insecten en wat passeren de revue, soms geheel uit verband getrokken, daarna weer helemaal puur. Op de twee platen horen we bewerkte selecties terug en op de CD vinden we referentie materiaal om een beeld te geven hoe het oerwoud puur klinkt.
Het resultaat is geen eenvoudige zit, maar als je even doorbijt en de bijna 2 1/2 uur aan geluiden op je laat in werken waan je jezelf op den duur ook gewoon echt in dat oerwoud. Erg spannend en mooi.

Tileskopio, 2014

με τη δουλειά του thomas tilly δεν είχα ασχοληθεί ιδιαίτερα. ίσως γιατί πριν απο μερικά χρόνια ένα απο τα cdr του στην εταιρεία του fissur δε με είχαν τραβήξει ιδιαίτερα παρά τα εγκωμιαστικά λόγια που είχε λάβει και τον άφησα εκεί.
το script geometry με τράβηξε όχι τόσο πολύ άμεσα ως αναφορά και περιγραφή δίσκου αλλά ως συνήθως λόγω των σχολίων του jerome στη metamkine. λιγες οι φορές που τα τελευταία 20 χρόνια με έχει απογοητεύσει ο jerome σε κριτική κι αυτό πιο πολύ σε free rock φόρμες παρά σε άλλα μονοπάτια. τι έχουμε εδώ λοιπόν… μια ‘επίσκεψη’ στη γαλλική γουϊνέα το μάρτη του ‘13 και διαμονή του στο τροπικό δάσος, επιστημονικούς σταθμούς, κ.α. για ένα μήνα για παρατήρηση, ηχογράφηση. το αποτέλεσμα είναι μια ηχητικά αναπαράσταση των σημάτων διαφόρων εντόμων και ζώων του δάσους και διαφόρων άλλων ήχων και φαινομένων.
για μια καλύτερη κατανόηση του έργου κάποιος μπορεί να επισκεφθεί την αντίστοιχη σελίδα που έχει στήσει ο thomas script geometry.
όπως ο thomas αντιλαμβάνεται αυτά τα φυσικά φαινόμενα και ήχους των εντόμων ως ηλεκτρονικούς ήχους και μας τους παρουσιάζει σχεδόν αυτούσιους εδώ έτσι κι ο ακροατής ώρες ώρες έχει την αίσθηση ότι ακούει ηλεκτροακουστικό ή ηλεκτρονικό δίσκο παρά μια καταγραφή field recordings. χωρισμένο σε 5 μέρη ή πλευρές. οι 4 των 2 δίσκων και το πέμπτο ένα σχεδόν ωριαίο cd που είναι καταγραφή μιας νύχτας με διάφορους ήχους να κυματίζουν μέσα του. ίσως το πιο κοντινό σε field recording λογική θα έλεγα εγώ.
η αλήθεια με τα field recordings τα τελευταία χρόνια είναι ότι κοντεύουν να γίνουν τροχοπέδη ή σε κάποιες περιπτώσεις η εύκοιλη λύση. βολεύει και η εποχή θα πεί κανείς. υπάρχει όμως κόσμος που και δουλεύει χωρίς πολλά πολλά και εμφανίζει έργο του όταν νομίζει ότι πρέπει να το εμφανίσει. απο το λίγο που έχω ασχοληθεί μαζί του ο thomas tilly μου έχει δώσει την εντύπωση ότι ανήκει στη δεύτερη κατηγορία κι ας μη με τραβάει όλο το έργο του. το script geometry όμως το θεωρώ ως ένα απο τους πιο ωραίους δίσκους της χρονιάς. ήχους που πρέπει να αναζητήσει κάποιος.

>Thomas Tilly & Jean-Luc Guionnet/Stones, air, axioms (Circum Helix)<

Aufabwegen, 2013

Die Verbindung von Architektur und Klang wurde oft und intensiv erforscht, mit der Klangkunst gibt es sogar eine ganze Kunstform, die in diese Richtung wirkt. Tilly und Guionnet sind die Sache fast wissenschaftlich-akribisch angegangen: In der Kathedrale von Portiers wurden zunächst räumliche Messungen durchgeführt, um die Verhältnisse verschiedener Gebäudeteile zueinander zu bestimmen. Dann wurden im Gebäude atmosphärische Aufnahmen gemacht und zu guter Letzt wurde schließlich die Orgel bedient, um strahlend-kräftige Cluster zu produzieren. In der Mischung und Montage der Klänge wurden die räumlichen Proportionen als Ordnungsschema angewendet. Heraus gekommen ist statisch-mächtige, zum Teil sehr reduzierte Klangwelt, die nur in ganz kleinen Schritten dynamische Bewegungen vollzieht. Das Eintauchen in die Schattierungen der Sounds ist die echte Herausforderung.
Zipo


Musicworks, 2012

One of the most striking things about medieval stone cathedrals is the massive volume of air that is encased in their naves. Upon entering one of these cathedrals, you feel the air pressure enveloping you with a stunningly present stillness. Any sound adds to this feeling, as you become increasingly aware of the physical parameters of the space as the sounds reverberate around it. Thomas Tilly & Jean-Luc Guionnet set out to measure the sonic detail and reverberance of the Cathédrale St. Pierre in Poitiers, France, paying particular attention to the standing waves that the long parallel walls of the nave generate. They used only the sound of the organ, a white-noise and sine-wave generator, and the natural echo of the space as their instrumentation, and set about mapping the sound of the space from various
points around the cathedral. The first track is a simple control measure, with the organ and white noise generator spaced far from each other, and recordings taken from each support column of the church, as each instrument blasts simultaneously. The following three tracks become a more lyrical series of soundings, focusing more on the standing waves inside the church as sonic elements fade away, to be carefully replaced by another organ chord or sine wave. As dry and abstract as the original project sounds, the resulting recording is subtly beautiful, benefitting from being heard through the best and loudest speakers you can play it on.
Chris Kennedy


The Sound projector, 2012

Poumons de pierre.
Fab French improviser Jean-Luc Guionnet continues his interest in the workings of the organ an as instrument in a big way on Stones Air Axioms (CIRCUM-DISC LX005), which is realised as a collaboration with Thomas Tilly, the field recording guy who I last heard making his micro-recordings of pond life and beetles on the surface of the water which sounded like miniature fire alarms. This release is a very precise site-specific work to do with the acoustic dynamics in the Cathedral of St Pierre in Poitiers, and at first glance you may think this is an area that has been thoroughly explored by releases on the Touch label. I refer to the Spire project which has released two CDs to my knowledge, but it seems that multi-layered project, active since 2004, has since blossomed into something even more ambitious 1. When conceptual artists, musicians and radical types are faced with religious buildings, they tend to wax didactic with implied criticism of the established Church, and this release’s notes suggest that “the architecture constraining this air volume is complex and ruled by doctrine”, while also conceding that a cathedral also “offers a wide resonance to support the religious discourse”. But these are not tremendously loaded statements, and the main thrust of the work is simply a formal exploration of space, acoustics, and sound production.
The principal element in the execution here has involved careful measuring of the internal space of the building 2, noting the position of columns, the distances between walls, and experimenting with the punctuations of the silences between each attack of the organ. It’s as though the entire building were a container of sentences, of musical language, or a space that enriches such language. I think it’s great that they expended so much mental effort in finding out what the original architects of these buildings had pretty much planned all along, and which any regular communicant of the Catholic church could probably have told them in two sentences, but no matter. This is still a strong work of intriguing sound art, full of careful preparations and very intensive sound generation experiments.The organ drones are accompanied by sine wave generators, and by white noise generators, and the very formalised experiments in minimalism have a certain rigid absurdity that outmanoeuvres La Monte Young, even. Where ‘Air Volume’ contains five minutes of dramatic rushing sounds like wild winds set loose in the transept, the 14-minute ‘For Standing Waves’ is a fantastic harmonic droner with a suitably solemn tone. Monumentally beautiful music. Its sister piece, ‘For Standing Waves Disturbances’, seems to incorporate more rescued ambiences from the space itself, and feels less closed-off than the previous piece. Here, you almost feel as if the stones themselves are breathing – a gigantic pair of ancient lungs. Another long and faintly alarming sustained organ tone carries on for half the track’s length, never resolving, and becoming almost unendurable. Then there’s ‘Close, bells, architectural remains’, which feels more like a documentary recording (with its random interventions which feel almost chaotic in the context of this much pure sound), nonetheless incorporating some delicious sub-bass throbbing tones that, when played at appropriate volumes, should help to activate your inner Holy Ghost from the feet up or the head downwards. Recorded in 2010, this was part of a festival called MicroClima. Mélanie Bourgoin did the restrained design for the package. Arrived here 31 January 2012. Very good!
Ed Pinsent


The watchfull ear, 2012

Caveats first, I have quite recently released a CD of Jean-Luc Guionnet playing a church organ. Therefore I have held off until now of listening to, and subsequently writing about tonight’s CD, which is a rather wonderful CD of recordings of Jean-Luc investigating a particular organ in France alongside Thomas Tilly. It is however, a really good listen indeed.  I have read my way through the liner notes to the CD, which is named Stones Air Axioms, and even now I only part understand what took place to enable this CD to come about. To try and paraphrase something I don’t entirely understand, Tilly and Guionnet spent time in Cathedrale St.Pierre in Poitiers, a very large and obviously old stone building. They somehow used the cathedral’s massive organ to measure the sonic capabilities of the hall, and then, somehow, by drawing up finely tuned diagrams they somehow developed a set of ‘scores’ that could be used by Guionnet playing the organ and Tilly working with some kind of white noise generating electronics. They also mention that they improvised to some degree within the parameters of the ‘scores’ they had developed. Tilly seems to have been credited with the composition of the scores, and he also carried out the multichannel recordings of the organ and white noise.
However this music was developed, its great. Right from the outset when a gutsy, airy blast of noteless organ crashes into view there is a real presence to the sound, a very intense, immediate feeling to it, presumably formed out of whatever mathematical alchemy went into the placement of microphones to capture the sound in the room. Throughout the four pieces there are  more of these violent puffs of air forced through half-closed pipes, sustained pitches that seem to hang just above your head as you listen to them, mostly from the organ but possibly some sine waves from somewhere also, fizzing, purring white noise through which more conventional organ is weaved and a lot more. Tones are sustained at intense, ear-ringing pitches, everything vibrates through the resonance of the cathedral, a space built for amplifying sounds outwards, but there is also a sharpness and simple clarity to the music that betrays the composed hand and the technology involved in capturing it. Its not all organ either, the electronics often sit right in the foreground, their raw textures the perfect match for the enormous violence of the organ blasting its way out into the enormous space. Its a disc that demands to be played loud, its intensity constant, even in its quieter moments, a CD that has a real physical presence, outlining a huge space and projecting some of that atmosphere at you through your own speakers. Really very good then, released on Circum-disc.
Richard Pinell.

Vital Weekly, 2012

The starting point of this is quite interesting. Before electricity arrived there we were other forms of technology to communicate. Look at the architecture of churches or amphitheaters, and you can see how clever they are to resonate a message. This sound work deals with that notion: the travel of air waves through space. In the St. Pierre Cathedral in Poitiers the church organ is used, as well as white noise generator opposite (some 75 meters away) of it and microphones are used to pick those sounds moving through the cathedral. Each piece here, four in total, deals with a specific quality of the relation sound and architecture. Although I am not sure if I can fully understand the exact nature of this process, I think this is a wonderful work. It opens with ‘SAA1: Air Volume’, which sounds like shifting heavy objects through a heavy reverberant space, some close by and some far away. Like testing the space. In the other pieces the mood is less heavy, or better in ‘SAA2: For Standing Waves’ is sheer quietness, occasionally interrupted by louder sounds and occasional long form sine wave like sounds. Here ‘far away’ comes more in play. In ‘SAA3: For Standing Waves, Disturbances’, organ and sine waves move about, indeed in a somewhat more disturbing way, pleasantly forceful, which continues in the final piece. I am not sure if I learned more about the spatial quality of this particular cathedral, but I do know I heard a more than excellent CD. (FdW)

Improjazz,2012

L’enregistrement obéit à un dispositif complexe, décrit dans le livret, basé sur un arpentage de la cathédrale St Pierre de Poitiers et des expériences acoustiques faites avec l’orgue et un générateur de bruit blanc. Jean-Luc Guionnet continue ainsi une série d’expériences sonore in vivo, celle menée par exemple en 2004 à la gare de Lille-Flandres (Inscape MonotypeRec mono 019) et rééditée ensuite au festival Météo dans un garage automobile. Dans ces deux tentatives, Guionnet et Eric La Casa compo-saient une pièce en temps réel à partir des captations sonores réalisées par des micros disposés dans le lieu. Les activités humaines fournissaient la plus grande part du matériau sonore. Ici c’est la pierre elle-même, la structure du bâtiment vide qui est donné à entendre. Conçue pour « élever la voix et la musique », disent les deux musiciens, cette structure est interrogée, par la raison mathématique et par le sens de l’ouïe, hors musique et hors voix, pour faire entendre son  propre discours pourrait-on dire. Qu’est-ce que la cathédrale impose à la voix qui s’y élève, comme « les câbles et les codes » le font aujourd’hui ?
C’est une musique du point de vue des creux de la pierre. Pour qu’il y ait résonance il faut qu’il y ait creux, et ce creux informe le son, Tilly et Guionnet reprennent cette évidence au ras. C’est la forme qui parle, obscurément, et les musiciens se laissent dicter, au fil d’un processus de quasi augures, leur dis-cours. Une structure s’impose à eux, qui est de pure improvisation c’est-à-dire « ce qui vient dans ce lieu là », et qui ne pourrait venir dans aucun autre lieu. On voit bien comme il serait stérile d’envisager le même processus dans d’autres cathédrales, l’important n’est pas de dresser un inventaire mais de faire surgir des étincelles de sons, des feux musicaux là ou là, où se pose un désir et une possibilité. Au fil des écoutes on se débarrasse des habitudes, de la recherche d’une sensibilité personnelle pour entrer dans une structure plane, celle que dessinent les schémas joints dans le livret. La partition s’adresse aux murs mais la musique s’adresse bien aux auditeurs. C’est une musique qui a quelque chose d’animal dans sa manière d’habiter une sorte de terrier, mais c’est un terrier de paroles. En ce sens la musique de Guionnet et de Tilly est sans doute la meilleure description d’un lieu qui n’existe que parce que les hum-ains sont définis par leur capacité à parler. Ce lieu demande une parole, non pas religieuse mais purement humaine, il a été conçu pour ça et à cause de ça. Guionnet et Tilly en font entendre la matrice.
Noel Tachet

Improv Sphère, 2012

Grande figure des musiques nouvelles en France, Jean-Luc Guionnet ne cesse de surprendre. A chaque projet, un nouvel univers surgit. Des duos toujours plus radicaux (avec Eric Cordier, Seijiro Murayama, Toshimaru Nakamura), des projets free jazz au-delà du free (return of the new thing, the ames room), et des solos d'orgue incroyables... Pour ce projet avec le jeune musicien nantais Thomas Tilly (plutôt spécialisé dans les field-recordings, notamment sous-marins), intitulé, très adéquatement, Stones, Air, Axioms, le duo JLG&TT propose d'explorer les possibilités d'interaction entre le son et l'architecture. 
Au sein de la cathédrale Saint-Pierre à Poitiers, Guionnet utilise l'orgue comme un générateur de sons, tandis que Tilly place des générateurs de bruit blanc et de sinusoïdes à certains endroits stratégiques de la cathédrale. "Stratégiques" car l'exploration du lien entre architecture et musique est médiatisée par la physique acoustique et les mathématiques. Je ne tenterai pas d'expliquer les calculs et les mesures des ondes sonores opérés par Tilly, car malgré les explications, ils demeurent assez obscurs. Il n'y a qu'à savoir qu'une des premières sources de ces quatre pièces est le calcul de la trajectoire des ondes sonores au sein de l'édifice religieux. L'espace de représentation devient par la suite la cathédrale entière, et l'instrumentarium devient une véritable installation rationalisée. 
Ne cherchez pas de repères musicaux dans ces pièces, JLG & TT génèrent des sons dont le déplacement est contraint par l'architecture religieuse (de manière verticale ou cruciforme, pour prendre les exemples les plus symboliques). Les lourds accords, sinusoïdes, bruits blancs, longues basses statiques, souffles géants, dialoguent entre eux, s'entrecroisent et s'emmêlent, se mélangent et se dissocient au gré de leur trajectoire. Un troisième élément intervient parfois, l'environnement sonore de la cathédrale, avec l'air qui la traverse, ses bruits quotidiens mis au premier plan par quelques silences. Tous ces éléments se déplacent au sein d'un édifice intellectuellement conçu en vue d'un déplacement particulier du son. Et à travers les sons générés par JLG & TT, la cathédrale se redessine acoustiquement, le déplacement des sons dessine dans notre imaginaire le plan et la coupe de Saint-Pierre.
Quatre pièces plus expérimentales que musicales, mais expérimentales au sens scientifique (même si le duo se réclame d'une science "informelle"), au sens où elles explorent de manière factuelle et pragmatique l'acoustique de cet édifice singulier, avec sa gestion particulière, hiérarchique et extrêmement symbolique des déplacements sonores. Ceci-dit, assister à une performance similaire doit certainement être une expérience inoubliable, mais malgré la post-production, l'enregistrement sur disque de telles performances n'est pas forcément très adéquat, et ne peut pas vraiment rendre compte de l'expérience tentée par ce projet. Malgré tout, Stones, Air, Axioms reste une suite de pièces très originales, où se croisent instruments, électroniques, musique, architecture et science (acoustique, géométrie et mathématique). Mais c'est aussi et surtout une tentative puissante et intense de reconstitution sous plusieurs angles (quatre en fait) d'un espace sonore gigantesque, par le seul biais du son, d'un son pur, brut, sans ornements.
Julien Héraud

Touching extremes, 2012

A series of mathematic calculations lies at the basis of Stones Air Axioms, a recording born in St.Pierre’s Cathedral, Poitiers. Tilly and Guionnet measured distances and estimated precise points for huge waves coming from the church’s organ to resonate in union with a white noise generator. Given the complexity of the explanations read in the booklet I was expecting more in terms of sheer sensation and emotional response, for organ drones can work wonders if taken in the right doses at the right moment. Yet what you find here sounds somewhat rough, undeniably firm (whamming clusters shaking the atmosphere a bit), obviously designed to exploit the pure power of the originating instrument while various types of smaller acoustic events coexist. This means that, while most probably a direct experience would be next to intimidating (low frequencies abound throughout, and they punch hard), the definitive version contained by this disc appears as a certification of the experimentation rather than something destined to stay, with all the implications that one could imagine as far as psychological effects and impact on the memory are concerned. Surely those who in 2010 attended the MicroClima Festival – the event for which the piece was created – have clearer ideas and retain flashes of deep impression in the mind, however at the fourth consecutive listen I still haven’t managed to determine the level of indispensableness of this release. Which may even be a good sign.
Massimo Ricci.

Guts of Darkness, 2012

Méditation post-moderne. Concentration néo-contemporaine. Prière numérique. Plein dans la cathédrale, Guionnet et Tilly s’amusent à faire ricocher le son sur les murs, bouffant l’espace des voûtes, en hauteurs, remplissant claveaux, s’arc boutant, en profondeur, sur les bords ; l’écho naturel, relief concave, amplifie un orgue. L’orgue c’est terrible. Guionnet qui fait de l’orgue, ça troue le cul. Drone discret, oscillation des harmonies s’entrechoquant, épaisseur. Tilly s’occupe des proportions, de la géométrie : des infrasons, suprasons, étalonnage, mesure sonique, pluie de fréquence numérique. Ca ressemble à du drone, discret, oscillation des chiffres s’entrechoquant, minceur. L’ensemble ressemble à une courbe dans un cube, à un tracé rigoureux millimétrique au laser d’une sphère plasmique : l’impression d’avoir la tête dans le cosmos mais du point de vue des atomes, pris dans les vents solaires, le rayonnement des galaxies circulaires, avant de heurter brutalement les murs de pierres ; retour sur terre. Une bille qui rebondirait un peu plus à chaque contact, prisonnière d’un espace clos ; le souffle du vent s’engouffrant dans une tour perturbée par les émanations électromagnétiques des machines. C’est la Grande Conquête Divine par une armée de software aux lignes de commandes minimalistes.
Saïmone.

Scrapyard forecast, 2012

One needn't read past the first page of the booklet included with Stones Air Axioms, unless looking for an overly complicated summarization of the sounds within, greatly muddying what is a perfectly captivating stand-alone listen. On the first page we're given brief insight into the acoustical importance of cathedrals and their architecture, and how the two relate to sound, and that the work herein is a product of informal acoustic experiments that Tilly and Guionnet did in the St Pierre Cathedral using an organ, sound generator and recorders.Although the word "experiment" brings to mind "experimental", which this album undoubtedly is, it's also indicative of a lack of attention to artistic form (like some of the "sound mapping" material I've heard, which, ironically, isn't actually all that interesting to listen to). Luckily, Tilly and Guionnet's sonic experiments are quite rich in their form, materializing as both short and long organ bellows coupled with high and low generated frequencies and other "disturbances". There is a sensitivity to the sounds and a definite ear for minimalism that only seasoned musicians working in this field would have, and along with whatever practical/analytical information these two derived from their experiments, they should at very least be happy with this fine album.
Adrian Dziewanski.

Just Outside, 2012

Intriguing idea--Thomas Tilly (whose recording of insect sounds from a year or two ago I was so taken with), has here, in collaboration with Guionnet, sought to "measure" the interior of the St. Pierre Cathedral in Poitiers using the amplitudes of organ-generated sounds as yardsticks. The theoretics are complicated enough that I haven't nearly the ability to go into them, but suffice it to say that I envisage the organ somehow "shooting" sonic rays into the apses, naves and chapels of the structure and being duly recorded by Tilly as they describe the space they traverse and the forms they encounter.Is it silly to say that it sounds good? Well it does, as much as I'd have to guess that the effect would be multiplied in situ. The organ tones are garrulous, visceral, often sounding as if sourced from organs of the more corporeal kind. The first track is brutal, the sonic barrage caroming off the wall (possibly doing damage!) while the second subsides into smoky whispers, occasionally flushed out with large, groaning heaves. The third is more acidic, harsh, the piercing tones scouring the columns, peeling varnish form the old canvases, while the finale strays furthest from overtly organ-related sounds, including clanks, whistles, rubbings and such, though largely overlaying a deep, rich drone. It's huge and full; again, one can only imagine being enveloped in these tones. A fine recording. I haven't been very keen on a lot of releases from this label--this is by far the best I've heard.
Brian Olewnick.

A closer listen, 2012

In their introduction to Stones Air Axioms, Thomas Tilly and Jean-Luc Guionnet refer to the air volume of a cathedral as being “enclosed and defined by stone”.  This album reflects their attempt to map and reflect the sonic architecture of St. Pierre Cathedral in Poitiers.  The organ is used as a sound generator instead of a traditional instrument; sine waves are added as accompaniment; white noise and silence interject at regular intervals.  Stones Air Axioms is an experimental work in the purest sense, conducted with theories, measurements, and the collation of raw data.  The line drawings indicate that it may also have been great fun to prepare.
The recording grows more engaging as it progresses, accumulating resonance like pews accumulate dust.  As the harsh whooshes of the first track are joined by the pulsating sines and deep bass rumblings of the second, the album begins to feel a little warm, mirroring the feeling of entering a cold, empty church and experiencing a slow rise in temperature as additional parishioners enter and reluctant radiators kick in.  The static bursts of the third track lead to a growing drone and what sounds like the high-handed, heavy-pedaled playing of a mad organist.  (But don’t be afraid, it’s only Guionnet.)  Then a descent into silence, foghorn warnings, a high-pitched trill.
If only Sunday morning services sounded like this!  Tilly and Guionnet are saying, “They do – we just can’t hear them.”  The sounds of the empty building were merged with the recorded “music” in the studio in order to provide a fuller portrait of architecture in action.  By the concluding piece, all of the elements are in play: the whoosh, the trill, the mad organ, the drone, joined by insect crackles and wooden creaks, as if someone were hiding on the altar or a raccoon were rustling in the bell tower.  These more immediate noises indicate a sense of presence: the altered frequencies of an occupied room.  If only these walls could speak.  They do so here, in a mysterious manner befitting their undefinable origin: what may or may not be the robe of God, dragging across the ancient floor.  
Richard Allen.

All about Jazz, 2012

If as they say, "writing about music is akin to dancing about architecture," then what is performing music about architecture akin to? Drawing? Maybe.
Sound artists Thomas Tilly (field recordings) and organist Jean-Luc Guionnet capture an environment of sound in the Cathedral of St Pierre in Poitiers, France by way of organ drone and sine wave generation. The sound sculpture these artists create (capture?) are the unique features of a 12th century Roman Catholic cathedral. They set about measuring columns and recording the interplay between the organ as a tone generator and white noise as it circles and bounces off the great stones of the immense space. The pair went about mapping the familiar other worldly experience of these colossal houses of worship. Their recordings of the exchange between organ tones and white noise was then taken to a studio and mixed with their field recordings of the air flow within St Pierre. Like all recordings, be they at the Village Vanguard or a concert hall, the space must be considered by the engineers. When the space becomes an equal partner in the performance, the balance shifts toward it as the headliner.
Mark Corroto

Le son du grisli, 2012

Passé d’un instrument à vent à un autre, Jean-Luc Guionnet s’adonne ici à l’orgue – celui de la Cathédrale Saint-Pierre de Poitiers, dont la tuyauterie paraît faite de geysers fontaine et gazeux. L’effet des notes projetées sur l’architecture et leur agencement par Thomas Tilly forme un disque qui raconte le parcours de propulsions au son de drones, oscillations, vacillations, rondes mécaniques, ronflements, sirènes…  Qui aime se perdre en labyrinthe pourra aussi chercher à en apprendre sur l’étude du site et les mesures qui ont présidé à la conception de ces quatre pièces.
guillaume belhomme

Revue & Corrigée, 2012

L'on connaissait Thomas TILLY pour ses enregistrements en extérieur, concentrés sur les sons environnementaux. Bien souvent à l'œuvre en solo ou en groupe avec L'échelle de Mohs, il s'associe ici à Jean-Luc Guionnet portant sa casquette d'expérimentateur sonore in-situ (en opposition à celle de saxophoniste). On l'a déjà connu sur des expériences semblables, chez Shambala records et son projet "Tore" avec Eric Cordier, à l'orgue enregistré en église sur "Pentes" paru chez A Bruit Secret, ou encore avec le même Eric Cordier sur le label allemand Selektion, avec le projet "Synapses". Pistes qui nous emmènent doucement vers la présentation de ce "Stones, air, axioms". Trois mots qui résonnent comme les recherches effectuées et retranscrites sous forme de quatre pièces. "Stones", pour la pierre et donc le côté "in-situ" de l'œuvre, à savoir la Cathédrale Saint Pierre de Poitiers. "Air" pour l'étude sur la circulation et la vitesse des sons naturels et ondes créés par l'orgue. "Axioms" pour les contraintes sonores indubitables de l'édifice. Cette partie que l'on nommerait "étude" a fait l'objet de mesures précises, savantes et scientifiques par rapport à l'espace. Ces mesures ont été relevées par les deux protagonistes. La partie composition et prises de sons entre les mains de Thomas. Jean-Luc lui, n'a pu s'empêcher de tester les sonorités de l'orgue en place, comme il l'avait fait en l'église de Notre Dame des champs, Paris 15ème, sur le disque "Pentes" dont on parlait plus haut. Moins reconnaissable dans ses sonorités qu'on lui octroie, l'orgue a aussi servi à l'étude de la vitesse des sons dans l'architecture pour le secouer dans sa dépendance à celui-ci. Le résultat est on ne peut plus encourageant et donne lieu à de longues plages de fréquences ondulantes. La matière grise se met en route et laisse vite place aux imaginations les plus variées. Et soulèvent quelques questions de l'ordre de la kinésique. Effectivement le moindre déplacement dans la pièce où est diffusée ce disque altère l'écoute de celui-ci. Et ouvre des possibilités infinies. Et donc pour ma part, les deux architectes sonores ici présents ont réussi leur coup de façon admirable.
Cyril Lanoë.

Sound of Music, 2012

Luft, kyrkorum, materia, material, avstånd, volym. Det här ljudverket har flera utgångspunkter. Först konceptuellt. En tanke hur kommunikation idag är digital, men tidigare hade andra effektiva rum. Kyrkorummet var gjort för mässa, predikan, begrundan, meddelanden. En luftkropp omsluten av sten.
Sedan är utgångspunkten en musikalisk praxis. Saxofonisten Jean-Luc Guionnet har tillsammans med Thomas Tilly mätt upp katedralen i Poitou-Charentes och på så vis fått distanser, volymer, avstånd som är möjliga att använda via orgeln. Kort och gott utnyttja den unika akustiken i kyrkan ungefär på samma vis som Guionnet utnyttjar luftpelaren i saxofonen.
Vad vi hör är på många sätt en utvidgad version av Guionnets saxofonspel. Men den förklaringen är för enkel. Visst finns som en kärna minnet av luftströmmen ur lungorna. Men så mycket mer tillkommer. Arkitekturens egenartade klang, stenmurarnas obönhörliga gränser etc.
Det är inte helt nytt att använda byggnader på det här viset. Inom ljudkonst finns flera exempel, inom musiken har både John Butcher och Axel Dörner använt platser på detta vis. Ändå är det första gången jag hör en klang av detta slag. Guionnets instrumentala insatser ligger här i uppmätningarna bakom kompositionen, som i sin tur öppnar för ad hoc-spelet; och så öppnar han orgelpiporna. En stor hjälp har han haft av Thomas Tillys komposition och inspelningsteknik.
Konsekvent undviker Guionnet orgelns vanligaste ljud och register. Blåstoner, bubbel, fräs, ja, allehanda klanger som på många vis låter elektroniska släpps ut i kyrkorummet i olika vinklar. De får volym och tid. De vandrar som vindilar i luften.
Som en kulmen brakar hela orgelverket loss och får klockorna att vibrera med. Klangen är öronbedövande. Som om hela kyrkobyggnaden vibrerade med. Guionnet och Tilly har, för att tala konstspråk, mätt upp och undersökt ett rum. Till sin hjälp har de haft sin egen musikaliska praxis. Det är således de egna förutsättningarna som skjuts in i och mäts mot kyrkorummet uråldriga funktioner och avsedda sammanhang för religiös påverkan, dyrkan, propaganda, meddelanden. Ett övertygande rum, som vi i vanliga fall mest betraktar i vila, stumt, oanvänt.
Det är kyrkorummet omdefinierat. Ungefär som Guionnet och andra gjort med sina egna instrument. Ett kyrkorum redivivus kan man säga, sedan det vanliga budskapet tunnats ut och nästan dunstat bort.
Den här kraften fanns det i denna kyrkas väldiga luftkropp.
Märkligare musik har jag inte hört på länge.
Eller det kanske är ett ljudkonstverk. För det är väl inte Gud låter sin röst eka? Ibland undrar jag vem Guionnet samtalar med.
Thomas Millroth.

Paris Transatlantic, 2012

As my pal Jean-Luc Guionnet is something of a renaissance man, equally at home drawing, painting and copiously annotating one of his many books of philosophy as he is making music, this particular project must have been right up his street. Or up his organ loft, as it were, as Stones, Air, Axioms is a site-specific project based on and commissioned to be performed in the basilica of Saint-Pierre et Saint-Paul in Poitiers. Like medieval masons, JLG and fellow sound artist Thomas Tilly set about measuring the distances between the organ and the supporting pillars of the building, and used them to calculate the frequencies of the standing waves, which Guionnet plays on the venerable François-Henri Clicquot instrument (details galore on Wikipedia if you're an Organ Morgan) and Tilly on a sinewave generator. The measurements are also used to calculate durations in the four movements that make up the work, with "silences" filled up with filtered recordings of the empty cathedral itself. The result is a splendidly austere assemblage of drones and tones punctuated by occasional cluster blasts on the organ and the pale whines of Tilly's sinewaves. It must have been awfully impressive in situ, but sounds pretty damn good in my front room too.
Dan Warburton.

Monsieur délire, 2012

Les pierres d’une cathédrale; l’air qu’elle contient et qui véhicule les ondes sonores; enfin, les axiomes mathématiques permettant de calculer l’emplacement et les conditions des ondes stationnaires dans ce volume. Voilà les bases de l’œuvre de Thomas Tilly et de Jean-Luc Guionnet. L’orgue de la cathédrale sert de source sonore. Pour le reste, nous sommes en présence d’un jeu de positionements des micros dans l’enceinte, de montage et d’ajouts de silences cathédraux traités, de bruit blanc et d’ondes sinusoïdales. Lente et formelle dans ses deux premiers mouvements, l’œuvre devient complexe et prenante dans les deux derniers. Moins aride que les autres disques d’orgue de Guionnet.
François couture.

Free Jazz blog, 2012

On this album Guionnet plays the church organ in the St Pierre Cathedral of Poitiers in France. Thomas Tilly made all the measurements and composition to ensure the full acoustic possibilities of the space inside the cathedral. It is minimalist and drone-like at times, with spectacular outbursts to counterbalance the silence.

>Thomas Tilly & Jean-Luc Guionnet/Stones, air, axioms (Circum Helix)<

Aufabwegen, 2013

Die Verbindung von Architektur und Klang wurde oft und intensiv erforscht, mit der Klangkunst gibt es sogar eine ganze Kunstform, die in diese Richtung wirkt. Tilly und Guionnet sind die Sache fast wissenschaftlich-akribisch angegangen: In der Kathedrale von Portiers wurden zunächst räumliche Messungen durchgeführt, um die Verhältnisse verschiedener Gebäudeteile zueinander zu bestimmen. Dann wurden im Gebäude atmosphärische Aufnahmen gemacht und zu guter Letzt wurde schließlich die Orgel bedient, um strahlend-kräftige Cluster zu produzieren. In der Mischung und Montage der Klänge wurden die räumlichen Proportionen als Ordnungsschema angewendet. Heraus gekommen ist statisch-mächtige, zum Teil sehr reduzierte Klangwelt, die nur in ganz kleinen Schritten dynamische Bewegungen vollzieht. Das Eintauchen in die Schattierungen der Sounds ist die echte Herausforderung.
Zipo


Musicworks, 2012

One of the most striking things about medieval stone cathedrals is the massive volume of air that is encased in their naves. Upon entering one of these cathedrals, you feel the air pressure enveloping you with a stunningly present stillness. Any sound adds to this feeling, as you become increasingly aware of the physical parameters of the space as the sounds reverberate around it. Thomas Tilly & Jean-Luc Guionnet set out to measure the sonic detail and reverberance of the Cathédrale St. Pierre in Poitiers, France, paying particular attention to the standing waves that the long parallel walls of the nave generate. They used only the sound of the organ, a white-noise and sine-wave generator, and the natural echo of the space as their instrumentation, and set about mapping the sound of the space from various
points around the cathedral. The first track is a simple control measure, with the organ and white noise generator spaced far from each other, and recordings taken from each support column of the church, as each instrument blasts simultaneously. The following three tracks become a more lyrical series of soundings, focusing more on the standing waves inside the church as sonic elements fade away, to be carefully replaced by another organ chord or sine wave. As dry and abstract as the original project sounds, the resulting recording is subtly beautiful, benefitting from being heard through the best and loudest speakers you can play it on.
Chris Kennedy


The Sound projector, 2012

Poumons de pierre.
Fab French improviser Jean-Luc Guionnet continues his interest in the workings of the organ an as instrument in a big way on Stones Air Axioms (CIRCUM-DISC LX005), which is realised as a collaboration with Thomas Tilly, the field recording guy who I last heard making his micro-recordings of pond life and beetles on the surface of the water which sounded like miniature fire alarms. This release is a very precise site-specific work to do with the acoustic dynamics in the Cathedral of St Pierre in Poitiers, and at first glance you may think this is an area that has been thoroughly explored by releases on the Touch label. I refer to the Spire project which has released two CDs to my knowledge, but it seems that multi-layered project, active since 2004, has since blossomed into something even more ambitious 1. When conceptual artists, musicians and radical types are faced with religious buildings, they tend to wax didactic with implied criticism of the established Church, and this release’s notes suggest that “the architecture constraining this air volume is complex and ruled by doctrine”, while also conceding that a cathedral also “offers a wide resonance to support the religious discourse”. But these are not tremendously loaded statements, and the main thrust of the work is simply a formal exploration of space, acoustics, and sound production.
The principal element in the execution here has involved careful measuring of the internal space of the building 2, noting the position of columns, the distances between walls, and experimenting with the punctuations of the silences between each attack of the organ. It’s as though the entire building were a container of sentences, of musical language, or a space that enriches such language. I think it’s great that they expended so much mental effort in finding out what the original architects of these buildings had pretty much planned all along, and which any regular communicant of the Catholic church could probably have told them in two sentences, but no matter. This is still a strong work of intriguing sound art, full of careful preparations and very intensive sound generation experiments.The organ drones are accompanied by sine wave generators, and by white noise generators, and the very formalised experiments in minimalism have a certain rigid absurdity that outmanoeuvres La Monte Young, even. Where ‘Air Volume’ contains five minutes of dramatic rushing sounds like wild winds set loose in the transept, the 14-minute ‘For Standing Waves’ is a fantastic harmonic droner with a suitably solemn tone. Monumentally beautiful music. Its sister piece, ‘For Standing Waves Disturbances’, seems to incorporate more rescued ambiences from the space itself, and feels less closed-off than the previous piece. Here, you almost feel as if the stones themselves are breathing – a gigantic pair of ancient lungs. Another long and faintly alarming sustained organ tone carries on for half the track’s length, never resolving, and becoming almost unendurable. Then there’s ‘Close, bells, architectural remains’, which feels more like a documentary recording (with its random interventions which feel almost chaotic in the context of this much pure sound), nonetheless incorporating some delicious sub-bass throbbing tones that, when played at appropriate volumes, should help to activate your inner Holy Ghost from the feet up or the head downwards. Recorded in 2010, this was part of a festival called MicroClima. Mélanie Bourgoin did the restrained design for the package. Arrived here 31 January 2012. Very good!
Ed Pinsent


The watchfull ear, 2012

Caveats first, I have quite recently released a CD of Jean-Luc Guionnet playing a church organ. Therefore I have held off until now of listening to, and subsequently writing about tonight’s CD, which is a rather wonderful CD of recordings of Jean-Luc investigating a particular organ in France alongside Thomas Tilly. It is however, a really good listen indeed.  I have read my way through the liner notes to the CD, which is named Stones Air Axioms, and even now I only part understand what took place to enable this CD to come about. To try and paraphrase something I don’t entirely understand, Tilly and Guionnet spent time in Cathedrale St.Pierre in Poitiers, a very large and obviously old stone building. They somehow used the cathedral’s massive organ to measure the sonic capabilities of the hall, and then, somehow, by drawing up finely tuned diagrams they somehow developed a set of ‘scores’ that could be used by Guionnet playing the organ and Tilly working with some kind of white noise generating electronics. They also mention that they improvised to some degree within the parameters of the ‘scores’ they had developed. Tilly seems to have been credited with the composition of the scores, and he also carried out the multichannel recordings of the organ and white noise.
However this music was developed, its great. Right from the outset when a gutsy, airy blast of noteless organ crashes into view there is a real presence to the sound, a very intense, immediate feeling to it, presumably formed out of whatever mathematical alchemy went into the placement of microphones to capture the sound in the room. Throughout the four pieces there are  more of these violent puffs of air forced through half-closed pipes, sustained pitches that seem to hang just above your head as you listen to them, mostly from the organ but possibly some sine waves from somewhere also, fizzing, purring white noise through which more conventional organ is weaved and a lot more. Tones are sustained at intense, ear-ringing pitches, everything vibrates through the resonance of the cathedral, a space built for amplifying sounds outwards, but there is also a sharpness and simple clarity to the music that betrays the composed hand and the technology involved in capturing it. Its not all organ either, the electronics often sit right in the foreground, their raw textures the perfect match for the enormous violence of the organ blasting its way out into the enormous space. Its a disc that demands to be played loud, its intensity constant, even in its quieter moments, a CD that has a real physical presence, outlining a huge space and projecting some of that atmosphere at you through your own speakers. Really very good then, released on Circum-disc.
Richard Pinell.

Vital Weekly, 2012

The starting point of this is quite interesting. Before electricity arrived there we were other forms of technology to communicate. Look at the architecture of churches or amphitheaters, and you can see how clever they are to resonate a message. This sound work deals with that notion: the travel of air waves through space. In the St. Pierre Cathedral in Poitiers the church organ is used, as well as white noise generator opposite (some 75 meters away) of it and microphones are used to pick those sounds moving through the cathedral. Each piece here, four in total, deals with a specific quality of the relation sound and architecture. Although I am not sure if I can fully understand the exact nature of this process, I think this is a wonderful work. It opens with ‘SAA1: Air Volume’, which sounds like shifting heavy objects through a heavy reverberant space, some close by and some far away. Like testing the space. In the other pieces the mood is less heavy, or better in ‘SAA2: For Standing Waves’ is sheer quietness, occasionally interrupted by louder sounds and occasional long form sine wave like sounds. Here ‘far away’ comes more in play. In ‘SAA3: For Standing Waves, Disturbances’, organ and sine waves move about, indeed in a somewhat more disturbing way, pleasantly forceful, which continues in the final piece. I am not sure if I learned more about the spatial quality of this particular cathedral, but I do know I heard a more than excellent CD. (FdW)

Improjazz,2012

L’enregistrement obéit à un dispositif complexe, décrit dans le livret, basé sur un arpentage de la cathédrale St Pierre de Poitiers et des expériences acoustiques faites avec l’orgue et un générateur de bruit blanc. Jean-Luc Guionnet continue ainsi une série d’expériences sonore in vivo, celle menée par exemple en 2004 à la gare de Lille-Flandres (Inscape MonotypeRec mono 019) et rééditée ensuite au festival Météo dans un garage automobile. Dans ces deux tentatives, Guionnet et Eric La Casa compo-saient une pièce en temps réel à partir des captations sonores réalisées par des micros disposés dans le lieu. Les activités humaines fournissaient la plus grande part du matériau sonore. Ici c’est la pierre elle-même, la structure du bâtiment vide qui est donné à entendre. Conçue pour « élever la voix et la musique », disent les deux musiciens, cette structure est interrogée, par la raison mathématique et par le sens de l’ouïe, hors musique et hors voix, pour faire entendre son  propre discours pourrait-on dire. Qu’est-ce que la cathédrale impose à la voix qui s’y élève, comme « les câbles et les codes » le font aujourd’hui ?
C’est une musique du point de vue des creux de la pierre. Pour qu’il y ait résonance il faut qu’il y ait creux, et ce creux informe le son, Tilly et Guionnet reprennent cette évidence au ras. C’est la forme qui parle, obscurément, et les musiciens se laissent dicter, au fil d’un processus de quasi augures, leur dis-cours. Une structure s’impose à eux, qui est de pure improvisation c’est-à-dire « ce qui vient dans ce lieu là », et qui ne pourrait venir dans aucun autre lieu. On voit bien comme il serait stérile d’envisager le même processus dans d’autres cathédrales, l’important n’est pas de dresser un inventaire mais de faire surgir des étincelles de sons, des feux musicaux là ou là, où se pose un désir et une possibilité. Au fil des écoutes on se débarrasse des habitudes, de la recherche d’une sensibilité personnelle pour entrer dans une structure plane, celle que dessinent les schémas joints dans le livret. La partition s’adresse aux murs mais la musique s’adresse bien aux auditeurs. C’est une musique qui a quelque chose d’animal dans sa manière d’habiter une sorte de terrier, mais c’est un terrier de paroles. En ce sens la musique de Guionnet et de Tilly est sans doute la meilleure description d’un lieu qui n’existe que parce que les hum-ains sont définis par leur capacité à parler. Ce lieu demande une parole, non pas religieuse mais purement humaine, il a été conçu pour ça et à cause de ça. Guionnet et Tilly en font entendre la matrice.
Noel Tachet

Improv Sphère, 2012

Grande figure des musiques nouvelles en France, Jean-Luc Guionnet ne cesse de surprendre. A chaque projet, un nouvel univers surgit. Des duos toujours plus radicaux (avec Eric Cordier, Seijiro Murayama, Toshimaru Nakamura), des projets free jazz au-delà du free (return of the new thing, the ames room), et des solos d'orgue incroyables... Pour ce projet avec le jeune musicien nantais Thomas Tilly (plutôt spécialisé dans les field-recordings, notamment sous-marins), intitulé, très adéquatement, Stones, Air, Axioms, le duo JLG&TT propose d'explorer les possibilités d'interaction entre le son et l'architecture. 
Au sein de la cathédrale Saint-Pierre à Poitiers, Guionnet utilise l'orgue comme un générateur de sons, tandis que Tilly place des générateurs de bruit blanc et de sinusoïdes à certains endroits stratégiques de la cathédrale. "Stratégiques" car l'exploration du lien entre architecture et musique est médiatisée par la physique acoustique et les mathématiques. Je ne tenterai pas d'expliquer les calculs et les mesures des ondes sonores opérés par Tilly, car malgré les explications, ils demeurent assez obscurs. Il n'y a qu'à savoir qu'une des premières sources de ces quatre pièces est le calcul de la trajectoire des ondes sonores au sein de l'édifice religieux. L'espace de représentation devient par la suite la cathédrale entière, et l'instrumentarium devient une véritable installation rationalisée. 
Ne cherchez pas de repères musicaux dans ces pièces, JLG & TT génèrent des sons dont le déplacement est contraint par l'architecture religieuse (de manière verticale ou cruciforme, pour prendre les exemples les plus symboliques). Les lourds accords, sinusoïdes, bruits blancs, longues basses statiques, souffles géants, dialoguent entre eux, s'entrecroisent et s'emmêlent, se mélangent et se dissocient au gré de leur trajectoire. Un troisième élément intervient parfois, l'environnement sonore de la cathédrale, avec l'air qui la traverse, ses bruits quotidiens mis au premier plan par quelques silences. Tous ces éléments se déplacent au sein d'un édifice intellectuellement conçu en vue d'un déplacement particulier du son. Et à travers les sons générés par JLG & TT, la cathédrale se redessine acoustiquement, le déplacement des sons dessine dans notre imaginaire le plan et la coupe de Saint-Pierre.
Quatre pièces plus expérimentales que musicales, mais expérimentales au sens scientifique (même si le duo se réclame d'une science "informelle"), au sens où elles explorent de manière factuelle et pragmatique l'acoustique de cet édifice singulier, avec sa gestion particulière, hiérarchique et extrêmement symbolique des déplacements sonores. Ceci-dit, assister à une performance similaire doit certainement être une expérience inoubliable, mais malgré la post-production, l'enregistrement sur disque de telles performances n'est pas forcément très adéquat, et ne peut pas vraiment rendre compte de l'expérience tentée par ce projet. Malgré tout, Stones, Air, Axioms reste une suite de pièces très originales, où se croisent instruments, électroniques, musique, architecture et science (acoustique, géométrie et mathématique). Mais c'est aussi et surtout une tentative puissante et intense de reconstitution sous plusieurs angles (quatre en fait) d'un espace sonore gigantesque, par le seul biais du son, d'un son pur, brut, sans ornements.
Julien Héraud

Touching extremes, 2012

A series of mathematic calculations lies at the basis of Stones Air Axioms, a recording born in St.Pierre’s Cathedral, Poitiers. Tilly and Guionnet measured distances and estimated precise points for huge waves coming from the church’s organ to resonate in union with a white noise generator. Given the complexity of the explanations read in the booklet I was expecting more in terms of sheer sensation and emotional response, for organ drones can work wonders if taken in the right doses at the right moment. Yet what you find here sounds somewhat rough, undeniably firm (whamming clusters shaking the atmosphere a bit), obviously designed to exploit the pure power of the originating instrument while various types of smaller acoustic events coexist. This means that, while most probably a direct experience would be next to intimidating (low frequencies abound throughout, and they punch hard), the definitive version contained by this disc appears as a certification of the experimentation rather than something destined to stay, with all the implications that one could imagine as far as psychological effects and impact on the memory are concerned. Surely those who in 2010 attended the MicroClima Festival – the event for which the piece was created – have clearer ideas and retain flashes of deep impression in the mind, however at the fourth consecutive listen I still haven’t managed to determine the level of indispensableness of this release. Which may even be a good sign.
Massimo Ricci.

Guts of Darkness, 2012

Méditation post-moderne. Concentration néo-contemporaine. Prière numérique. Plein dans la cathédrale, Guionnet et Tilly s’amusent à faire ricocher le son sur les murs, bouffant l’espace des voûtes, en hauteurs, remplissant claveaux, s’arc boutant, en profondeur, sur les bords ; l’écho naturel, relief concave, amplifie un orgue. L’orgue c’est terrible. Guionnet qui fait de l’orgue, ça troue le cul. Drone discret, oscillation des harmonies s’entrechoquant, épaisseur. Tilly s’occupe des proportions, de la géométrie : des infrasons, suprasons, étalonnage, mesure sonique, pluie de fréquence numérique. Ca ressemble à du drone, discret, oscillation des chiffres s’entrechoquant, minceur. L’ensemble ressemble à une courbe dans un cube, à un tracé rigoureux millimétrique au laser d’une sphère plasmique : l’impression d’avoir la tête dans le cosmos mais du point de vue des atomes, pris dans les vents solaires, le rayonnement des galaxies circulaires, avant de heurter brutalement les murs de pierres ; retour sur terre. Une bille qui rebondirait un peu plus à chaque contact, prisonnière d’un espace clos ; le souffle du vent s’engouffrant dans une tour perturbée par les émanations électromagnétiques des machines. C’est la Grande Conquête Divine par une armée de software aux lignes de commandes minimalistes.
Saïmone.

Scrapyard forecast, 2012

One needn't read past the first page of the booklet included with Stones Air Axioms, unless looking for an overly complicated summarization of the sounds within, greatly muddying what is a perfectly captivating stand-alone listen. On the first page we're given brief insight into the acoustical importance of cathedrals and their architecture, and how the two relate to sound, and that the work herein is a product of informal acoustic experiments that Tilly and Guionnet did in the St Pierre Cathedral using an organ, sound generator and recorders.Although the word "experiment" brings to mind "experimental", which this album undoubtedly is, it's also indicative of a lack of attention to artistic form (like some of the "sound mapping" material I've heard, which, ironically, isn't actually all that interesting to listen to). Luckily, Tilly and Guionnet's sonic experiments are quite rich in their form, materializing as both short and long organ bellows coupled with high and low generated frequencies and other "disturbances". There is a sensitivity to the sounds and a definite ear for minimalism that only seasoned musicians working in this field would have, and along with whatever practical/analytical information these two derived from their experiments, they should at very least be happy with this fine album.
Adrian Dziewanski.

Just Outside, 2012

Intriguing idea--Thomas Tilly (whose recording of insect sounds from a year or two ago I was so taken with), has here, in collaboration with Guionnet, sought to "measure" the interior of the St. Pierre Cathedral in Poitiers using the amplitudes of organ-generated sounds as yardsticks. The theoretics are complicated enough that I haven't nearly the ability to go into them, but suffice it to say that I envisage the organ somehow "shooting" sonic rays into the apses, naves and chapels of the structure and being duly recorded by Tilly as they describe the space they traverse and the forms they encounter.Is it silly to say that it sounds good? Well it does, as much as I'd have to guess that the effect would be multiplied in situ. The organ tones are garrulous, visceral, often sounding as if sourced from organs of the more corporeal kind. The first track is brutal, the sonic barrage caroming off the wall (possibly doing damage!) while the second subsides into smoky whispers, occasionally flushed out with large, groaning heaves. The third is more acidic, harsh, the piercing tones scouring the columns, peeling varnish form the old canvases, while the finale strays furthest from overtly organ-related sounds, including clanks, whistles, rubbings and such, though largely overlaying a deep, rich drone. It's huge and full; again, one can only imagine being enveloped in these tones. A fine recording. I haven't been very keen on a lot of releases from this label--this is by far the best I've heard.
Brian Olewnick.

A closer listen, 2012

In their introduction to Stones Air Axioms, Thomas Tilly and Jean-Luc Guionnet refer to the air volume of a cathedral as being “enclosed and defined by stone”.  This album reflects their attempt to map and reflect the sonic architecture of St. Pierre Cathedral in Poitiers.  The organ is used as a sound generator instead of a traditional instrument; sine waves are added as accompaniment; white noise and silence interject at regular intervals.  Stones Air Axioms is an experimental work in the purest sense, conducted with theories, measurements, and the collation of raw data.  The line drawings indicate that it may also have been great fun to prepare.
The recording grows more engaging as it progresses, accumulating resonance like pews accumulate dust.  As the harsh whooshes of the first track are joined by the pulsating sines and deep bass rumblings of the second, the album begins to feel a little warm, mirroring the feeling of entering a cold, empty church and experiencing a slow rise in temperature as additional parishioners enter and reluctant radiators kick in.  The static bursts of the third track lead to a growing drone and what sounds like the high-handed, heavy-pedaled playing of a mad organist.  (But don’t be afraid, it’s only Guionnet.)  Then a descent into silence, foghorn warnings, a high-pitched trill.
If only Sunday morning services sounded like this!  Tilly and Guionnet are saying, “They do – we just can’t hear them.”  The sounds of the empty building were merged with the recorded “music” in the studio in order to provide a fuller portrait of architecture in action.  By the concluding piece, all of the elements are in play: the whoosh, the trill, the mad organ, the drone, joined by insect crackles and wooden creaks, as if someone were hiding on the altar or a raccoon were rustling in the bell tower.  These more immediate noises indicate a sense of presence: the altered frequencies of an occupied room.  If only these walls could speak.  They do so here, in a mysterious manner befitting their undefinable origin: what may or may not be the robe of God, dragging across the ancient floor.  
Richard Allen.

All about Jazz, 2012

If as they say, "writing about music is akin to dancing about architecture," then what is performing music about architecture akin to? Drawing? Maybe.
Sound artists Thomas Tilly (field recordings) and organist Jean-Luc Guionnet capture an environment of sound in the Cathedral of St Pierre in Poitiers, France by way of organ drone and sine wave generation. The sound sculpture these artists create (capture?) are the unique features of a 12th century Roman Catholic cathedral. They set about measuring columns and recording the interplay between the organ as a tone generator and white noise as it circles and bounces off the great stones of the immense space. The pair went about mapping the familiar other worldly experience of these colossal houses of worship. Their recordings of the exchange between organ tones and white noise was then taken to a studio and mixed with their field recordings of the air flow within St Pierre. Like all recordings, be they at the Village Vanguard or a concert hall, the space must be considered by the engineers. When the space becomes an equal partner in the performance, the balance shifts toward it as the headliner.
Mark Corroto

Le son du grisli, 2012

Passé d’un instrument à vent à un autre, Jean-Luc Guionnet s’adonne ici à l’orgue – celui de la Cathédrale Saint-Pierre de Poitiers, dont la tuyauterie paraît faite de geysers fontaine et gazeux. L’effet des notes projetées sur l’architecture et leur agencement par Thomas Tilly forme un disque qui raconte le parcours de propulsions au son de drones, oscillations, vacillations, rondes mécaniques, ronflements, sirènes…  Qui aime se perdre en labyrinthe pourra aussi chercher à en apprendre sur l’étude du site et les mesures qui ont présidé à la conception de ces quatre pièces.
guillaume belhomme

Revue & Corrigée, 2012

L'on connaissait Thomas TILLY pour ses enregistrements en extérieur, concentrés sur les sons environnementaux. Bien souvent à l'œuvre en solo ou en groupe avec L'échelle de Mohs, il s'associe ici à Jean-Luc Guionnet portant sa casquette d'expérimentateur sonore in-situ (en opposition à celle de saxophoniste). On l'a déjà connu sur des expériences semblables, chez Shambala records et son projet "Tore" avec Eric Cordier, à l'orgue enregistré en église sur "Pentes" paru chez A Bruit Secret, ou encore avec le même Eric Cordier sur le label allemand Selektion, avec le projet "Synapses". Pistes qui nous emmènent doucement vers la présentation de ce "Stones, air, axioms". Trois mots qui résonnent comme les recherches effectuées et retranscrites sous forme de quatre pièces. "Stones", pour la pierre et donc le côté "in-situ" de l'œuvre, à savoir la Cathédrale Saint Pierre de Poitiers. "Air" pour l'étude sur la circulation et la vitesse des sons naturels et ondes créés par l'orgue. "Axioms" pour les contraintes sonores indubitables de l'édifice. Cette partie que l'on nommerait "étude" a fait l'objet de mesures précises, savantes et scientifiques par rapport à l'espace. Ces mesures ont été relevées par les deux protagonistes. La partie composition et prises de sons entre les mains de Thomas. Jean-Luc lui, n'a pu s'empêcher de tester les sonorités de l'orgue en place, comme il l'avait fait en l'église de Notre Dame des champs, Paris 15ème, sur le disque "Pentes" dont on parlait plus haut. Moins reconnaissable dans ses sonorités qu'on lui octroie, l'orgue a aussi servi à l'étude de la vitesse des sons dans l'architecture pour le secouer dans sa dépendance à celui-ci. Le résultat est on ne peut plus encourageant et donne lieu à de longues plages de fréquences ondulantes. La matière grise se met en route et laisse vite place aux imaginations les plus variées. Et soulèvent quelques questions de l'ordre de la kinésique. Effectivement le moindre déplacement dans la pièce où est diffusée ce disque altère l'écoute de celui-ci. Et ouvre des possibilités infinies. Et donc pour ma part, les deux architectes sonores ici présents ont réussi leur coup de façon admirable.
Cyril Lanoë.

Sound of Music, 2012

Luft, kyrkorum, materia, material, avstånd, volym. Det här ljudverket har flera utgångspunkter. Först konceptuellt. En tanke hur kommunikation idag är digital, men tidigare hade andra effektiva rum. Kyrkorummet var gjort för mässa, predikan, begrundan, meddelanden. En luftkropp omsluten av sten.
Sedan är utgångspunkten en musikalisk praxis. Saxofonisten Jean-Luc Guionnet har tillsammans med Thomas Tilly mätt upp katedralen i Poitou-Charentes och på så vis fått distanser, volymer, avstånd som är möjliga att använda via orgeln. Kort och gott utnyttja den unika akustiken i kyrkan ungefär på samma vis som Guionnet utnyttjar luftpelaren i saxofonen.
Vad vi hör är på många sätt en utvidgad version av Guionnets saxofonspel. Men den förklaringen är för enkel. Visst finns som en kärna minnet av luftströmmen ur lungorna. Men så mycket mer tillkommer. Arkitekturens egenartade klang, stenmurarnas obönhörliga gränser etc.
Det är inte helt nytt att använda byggnader på det här viset. Inom ljudkonst finns flera exempel, inom musiken har både John Butcher och Axel Dörner använt platser på detta vis. Ändå är det första gången jag hör en klang av detta slag. Guionnets instrumentala insatser ligger här i uppmätningarna bakom kompositionen, som i sin tur öppnar för ad hoc-spelet; och så öppnar han orgelpiporna. En stor hjälp har han haft av Thomas Tillys komposition och inspelningsteknik.
Konsekvent undviker Guionnet orgelns vanligaste ljud och register. Blåstoner, bubbel, fräs, ja, allehanda klanger som på många vis låter elektroniska släpps ut i kyrkorummet i olika vinklar. De får volym och tid. De vandrar som vindilar i luften.
Som en kulmen brakar hela orgelverket loss och får klockorna att vibrera med. Klangen är öronbedövande. Som om hela kyrkobyggnaden vibrerade med. Guionnet och Tilly har, för att tala konstspråk, mätt upp och undersökt ett rum. Till sin hjälp har de haft sin egen musikaliska praxis. Det är således de egna förutsättningarna som skjuts in i och mäts mot kyrkorummet uråldriga funktioner och avsedda sammanhang för religiös påverkan, dyrkan, propaganda, meddelanden. Ett övertygande rum, som vi i vanliga fall mest betraktar i vila, stumt, oanvänt.
Det är kyrkorummet omdefinierat. Ungefär som Guionnet och andra gjort med sina egna instrument. Ett kyrkorum redivivus kan man säga, sedan det vanliga budskapet tunnats ut och nästan dunstat bort.
Den här kraften fanns det i denna kyrkas väldiga luftkropp.
Märkligare musik har jag inte hört på länge.
Eller det kanske är ett ljudkonstverk. För det är väl inte Gud låter sin röst eka? Ibland undrar jag vem Guionnet samtalar med.
Thomas Millroth.

Paris Transatlantic, 2012

As my pal Jean-Luc Guionnet is something of a renaissance man, equally at home drawing, painting and copiously annotating one of his many books of philosophy as he is making music, this particular project must have been right up his street. Or up his organ loft, as it were, as Stones, Air, Axioms is a site-specific project based on and commissioned to be performed in the basilica of Saint-Pierre et Saint-Paul in Poitiers. Like medieval masons, JLG and fellow sound artist Thomas Tilly set about measuring the distances between the organ and the supporting pillars of the building, and used them to calculate the frequencies of the standing waves, which Guionnet plays on the venerable François-Henri Clicquot instrument (details galore on Wikipedia if you're an Organ Morgan) and Tilly on a sinewave generator. The measurements are also used to calculate durations in the four movements that make up the work, with "silences" filled up with filtered recordings of the empty cathedral itself. The result is a splendidly austere assemblage of drones and tones punctuated by occasional cluster blasts on the organ and the pale whines of Tilly's sinewaves. It must have been awfully impressive in situ, but sounds pretty damn good in my front room too.
Dan Warburton.

Monsieur délire, 2012

Les pierres d’une cathédrale; l’air qu’elle contient et qui véhicule les ondes sonores; enfin, les axiomes mathématiques permettant de calculer l’emplacement et les conditions des ondes stationnaires dans ce volume. Voilà les bases de l’œuvre de Thomas Tilly et de Jean-Luc Guionnet. L’orgue de la cathédrale sert de source sonore. Pour le reste, nous sommes en présence d’un jeu de positionements des micros dans l’enceinte, de montage et d’ajouts de silences cathédraux traités, de bruit blanc et d’ondes sinusoïdales. Lente et formelle dans ses deux premiers mouvements, l’œuvre devient complexe et prenante dans les deux derniers. Moins aride que les autres disques d’orgue de Guionnet.
François couture.

Free Jazz blog, 2012

On this album Guionnet plays the church organ in the St Pierre Cathedral of Poitiers in France. Thomas Tilly made all the measurements and composition to ensure the full acoustic possibilities of the space inside the cathedral. It is minimalist and drone-like at times, with spectacular outbursts to counterbalance the silence.

>Thomas Tilly/Tô /Cables & Signs ten underwater field recordings (Fissür)<

Touching extremes, 2013

In the day-after-day program of retrievals from the spirals of forgetfulness (namely from the dark depths of my archive’s huge piles of boxes containing accumulated promos) I was fortunate to excavate this terrific object. Recorded in 2009 in the West of France, the sounds contained herein were entirely originated by aquatic insects and plants residing in a castle’s moat that were left unprocessed except for a minimum of equalization. While we’re all aware – more or less – of the complexities of an underwater microcosmos, there are no recyclable words to explicit the sense of belonging that this assemblage of minuscule pops, steady rhythms, piercing high-frequency buzzes, curious parabolic raspberries and minimal conversations transmits. Tilly-Tô reports that he noticed the sunlight’s influence on some of the acoustic responses, which let this writer’s child within in awe. One sees the logic of an existence deprived of inutility; just the core of life as it should appear. Additional layers of bucolic components – the flowing of the water, the pigeons cooing in the background, the barking dogs – make us feel even warmer inside. At satisfactory volume and in the right frame of mind, an enthralling education that I heartily recommend: genuine sonic and artistic values combined with the resonance of a marvelous organic vibe, and yet often sounding like modified electronic circuits activated by a group of dolphins instructed by Francisco Meirino. Massimo Ricci

Aquarius Records, 2011

Most of the underwater environmental recordings we're familiar with are of whale songs and Antarctic seals and penguins, but this one takes us to an even more unusual locale: the moat of a medieval castle! How cool is that? The ten tracks on this 55 minute disc consist of material selected by French sound artist Thomas Tilly from about five hours of hydrophonic field recordings he made in the murky green waters of the moat of Sanzay Castle in the west of France. These excerpts represent what Tilly, in his careful listening, found most interesting, a dense buzzing micro-sound world created by the aquatic insects and plants, apparently reacting to the intensity of the summer sunlight on the surface of the water. Aside from some "slight equalisation", he made no electronic treatments or altering edits of the raw recordings; weird as it is, this is what you'd hear if you dunked your head in the moat and gave a long listen! Yet, it SOUNDS quite electronic (something that other nature recordings have prepared us for). They certainly don't sound of organic origin. Buzzing, pulsing, chattering drones. Rhythmic, intriguing. Steady mechanical whirr. Sometimes subtle, sometimes not so subtle. Constant clicking, like the ticks of a Geiger counter. Sudden sharp whines... decay... Even Morse Code like BLEEPS! (Is that a robot rusting away at the bottom of the moat, still emitting sounds? Did a mad scientist once inhabit this castle?).
It makes us think, Raster-Noton meets Sounds Of North American Frogs. Almost makes you wonder why the likes of Alva Noto, Ryoji Ikeda, Nerve Net Noise, all the experimental electronica, digital glitch, clinical clicks and cuts types even bother, when instead of investing in a laptop computer and software, it seems you merely need to submerge a microphone in a suitable stagnant moat. Of course we're kidding. But the thought does occur.
The varied ambient textures of these tracks are mesmeric for sure, and surprising. The most fascinating Found Sounds / Field Recordings find we've run across in recent weeks (unless you count the new Thai Elephant Orchestra, but those elephants are playing instruments).

Metamkine, 2010

Attention un disque excellent donc rare, comme il se doit ! Magnifique collection de captations aquatiques qui ouvre sur un univers complètement électronique. Une véritable poétique du sosnore. À rapprocher du "Fathom" de Douglas Quin ou des "Sferics" d'Alvin Lucier.

Scala Tympani, 2011

Erigé au treizième siècle sur les terres marécageuses du Poitou, le château de Sanzay n’en finit plus de livrer ses secrets. Entre 1998 et 2003, des fouilles archéologiques avaient permis de découvrir plusieurs tours d’enceinte enfouies dans les douves. Ces mêmes douves, Thomas Tilly (alias Tô, comme la pâte de mil ou l’interjection chère à Homer Simpson) les a patiemment auscultées à l’été 2009, s’adonnant à des recherches d’ordre sonore. Fixant les traces de l’écosystème local à l’aide de micros hydrophoniques, l’enregistrement passe de l’autre côté du miroir et révèle une activité surprenante. Grouillements en tous genres, frictions imperturbables, stridulations râpeuses, micro-battements métronomiques et autres très fines modulations de fréquences sont les manifestations d’une faune subaquatique qui ignore sans doute qu’elle est placée sous écoute. Parades nuptiales ou décryptage de câbles diplomatiques, les mystères de la communication entre insectes demeurent impénétrables et intriguent l’auditeur qui a rarement l’occa-sion d’être le témoin de ces échanges. La prise de son est remarquable de détails et on se prend parfois à imaginer que c’est le mouvement brownien des molécules d’eau que l’on entend distinctement, à moins qu’il ne s’agisse de la photosynthèse des algues de surface à la faveur d’un rayon de soleil matinal. Episodiquement, des bruits du monde terrestre franchissent la surface de l’eau ; un lointain vol d’avion, des roucoulements viennent recadrer le paysage sonore et nous rappellent qu’il s’agit là uniquement de field recordings sans retouches. Aride et contemplatif, ce disque capture sans intervenir et, en amplifiant l’imperceptible, fonctionne comme un projecteur braqué sur un monde invisible.
Jean-Claude Gevrey

The Sound Projector, 2011

Thomas Tilly spent his summer 2009 cavorting about near a castle in France which had a moat. When he got tired of feeding off peeled grapes and stewed figs, he wandered around near said moat and plonked his microphones in the thick green waters to dredge up whatever aural nuggets of fascination might come his way. About five hours of location recordings have been compressed down into this 54-minute CD Cables & Signs (FISSUR ÜR06), with the creator selecting only the choicest moments of clicking, whirring and tiny putt-putt noises. He is now able to reveal that these are the sounds of water insects and plants, and apart from the editing that has taken place, everything is served up without any intervention or adornment. Some of this is quite compelling stuff and could easily have been mistaken for a contem-porary album of digital mulch, since many of the small and detailed sounds have a fascinating internal rhythm.
Ed Pinsent

Revue & Corrigée, 2010

En 1981, Alvin Lucier -génial artiste faisant le lien parfait entre démarche expérimentale et artistique- enregistrait les fréquences radio naturelles émises par la ionosphère, une énergie électromagnétique en liberté autour de la terre que l'on nomme Atmospherics ou Sferics. Ces ondes là, nous entourent, nous traversent mais on ne peut les entendre. Notre système auditif n'est pas assez développé. C'est à l'aide de micro antennes que l'on peut les capter. Il en va un peu de même pour le monde sonore sous-marin. L'hydrophone (un transducteur électroacoustique qui transforme les oscillations acoustiques perçues dans un liquide en oscillations électriques, bref un micro pour l'eau et non pour l'air) serai né au sein de l'armée pour détecter les navires ennemis, donnant ensuite naissance au sonar (par ailleur au centre d'une autre pièce d'alvin Lucier). Là encore, il s'agit de suréquiper l'oreille humaine cependant très réquisitionnée pour déchiffrer ces sons sous-marins et les ficher. On l'appelle ici oreille d'or. Que dirait-elle de ces enregistrements hydrophoniques réalisés dans les eaux des douves d'un château par Thomas Tilly ? Serait-elle capable d'en déterminer les sources ? Ou bien accepterait-elle de quitter les indices pour passer à une écoute réduite considérant la surface de l'eau comme l'équivalent du voile de Pythagore ?
Car nous sommes, nous auditeurs lamda, face à la question du qu'est-ce que j'écoute ? (la question du pourquoi ayant été résolue dès l'achat du disque). On peut résumer brièvement à une suite itérative d'attaques courtes avec un léger mouvement harmonique pour ensuite passer à une suite de variations complexes de ces mêmes attaques. Résumé succinct et pas très sexy.
Mais puisque la suggestion de l'acousmatique est de mettre face à nous le sonore et son possible musical, on dira que c'est assez proche d'une suite musicale minimale et organique, tels les feedbacks organisés d'un David Tudor, ou des fractals d'un Bernard Fort. Et puisqu'il s'agit de l'activité de plantes et d'insectes aquatiques rendues audibles grace à une suramplification (d'un phénomène qui existe dans une gamme de fréquences perceptible par l'oreille humaine), on pensera également aux captations animalières de Chris watson. Thomas Tilly nous fait partager son écoute, attentive et évidement subjective, de moments sonores composés et modulés naturellement par l'environnement et qui deviennent musique – par notre écoute- sur ce support de diffusion.
Jérome Noetinger

Improjazz, 2010

Thomas Tilly a réalisé durant l'été dernier des enregistrements dans l'eau des douves d'un château de l'ouest de la France, captant les sons produits par des plantes et des insectes aquatiques. Les dix plages du cd, de 2 à 10 minutes, sont le résultat d'un choix parmi des enregistrements ni retouchés ni montés. C'est cette pureté qui fait le prix d'une musique qui n'est ni un document ni un artefact. Les sons sont absolument non identifiables, rien d'animal, rien d'aquatique dans ces sons répétitifs. Leur origine est un point d'interrogation, ils viennent d'une structure capable de les produire et qui ne les produit ni pour eux-mêmes ni comme spectacle destiné à un tiers auditeur, encore moins pour son propre plaisir. C'est le principe du field recording, mais ici leur non-articulation et leur nécessité nous donne à entendre la radicalité de la musique improvisée. Thomas Tilly improvise la musique — pas une musique. Il nous désigne comme musique ce qui, sans sa prise de son, resterait inconnu.Des sons d'une extrême élégance, d'une grande richesse sous leur apparent dépouillement. Des sons rendus musique par leur prise de son. Un très grand disque.
Noël Tachet

Vital Weekly, 2010

On a hot day like today I should be outside, trying to find some cool shade, but I have to stay inside and cool it with my old ventilator, which sometimes makes a funny noise. The first time I was playing this CD by Thomas Tilly I wasn’t paying attention enough – hot weather and all that – I thought that it was the ventilator acting up again. Then I studied the liner notes and it turns out that Tilly recorded sounds under water, and although I am not entirely sure, I understand these are the sounds are perhaps from insects and plants and somehow react to the sun shining on the water. These are then recorded and nothing else was done with it, except that we hear it. Its a pretty amazing disc, I must say. The music sounds like electrical charges, decaying motorized objects and such things alike. If you wouldn’t better you could easily think this some sort of conceptual thing about machines, maybe something by Paul Panhuysen. It shares the same minimalist approach of Panhuysen, but then entirely from field recordings. Click like sounds, with some odd changes, if any at all. It doesn’t sound like field recordings at all, and that’s the best thing about it. It stays away from that line of interest of rain and wind sounds but makes a fascinating world of itself. One of the most interesting pieces of work I heard in quite some time. Hard to explain, but you should definitely found our for yourself.
Frans de waard

Le son du grisli, 2010

Ce qu’il y a de merveilleux avec les field recordings c’est qu’ils ne sont pas faits pour donner un exemple de variété / vérité du monde ni même pour très humblement acter des bruits de la nature. Souvent, les field recordings dévoilent ce que le collectionneur qui les a récoltés a à l’intérieur, même lorsque celui-ci ne touche presque à rien. C’est le cas avec Thomas Tilly (Tô). Au château de Sanzay, il a chaussé des bottes puis a pris l’eau pour enregistrer des bestioles et des plantes. Sait-il au moins les noms des unes et des autres ? Pas sûr. Mais peut-être ; l’important n’est pas là mais plutôt dans ces crépitements plus ou moins rapides, ces mouvements imperceptibles à l’œil nu mais audible si tant est qu’on transporte avec soi le bon matériel amphibie. Après, les enregistrements seront agencés de manière à ce qu’ils formeront un CD agréable à l'écoute : les microcosmes y forment un orchestre que Thomas Tilly dirige (ne dit-il pas qu’il envisage ces captations comme des pièces de musique à part entière ?). Est-ce qu’un grouillement, un ronflement ou une déglutition d’insecte fait partie de la partition ? Et quid des effets sur une herbe ou une tige des mouvements du soleil ? La seule chose sûre, ici, c’est que la symphonie de Cables & Signs vaut bien une messe humaine.
Hector Cabrero

Just outside, 2010

And then there's this strange recording. Again, we're dealing with field recordings, here of the hydrophonic variety though were I not so informed, I don't think I'd ever have imagined the source being of an aquatic nature. Recorded in the moat of a castle in western France, what one hears for the most part is clicks--loud, regular, non-insectile-sounding clicks--and strident buzzes. Yes, there's the odd drip to be heard, some background rumble, but the main sound are these very non-organic series of clicks--imagine some plastic credit cards affixed to a bicycle wheel, being strummed by the spokes, the wheel being turned at an exceedingly regular, rapid pace. I take Tilly at his word in the notes that these are, in fact, natural sounds "produced by insects and aquatic plants", but I'd never have guessed it. Even when deeper buzzes appear, they sound less apian than Geiger. Strange world. All this said, how is the disc as a listening experience? Well, not as enjoyable as I'd expect, which is a weird thing to say if these are naturally occurring sounds--why should they be any less enjoyable than, say, wind? My sensory baggage, maybe, but even if I were hearing this in situ, I think I'd be trying to swat it away. But...there is something a bit compelling if you resist that urge, an alien kind of presence, just a discomforting one.
Brian Olewnick

The watchfull ear, 2010

So tonight an album of hydrophone recordings. Now before you all run a mile expecting the usual stream of moans from me about just how many underwater albums I seem to get to listen to these days, this one is a little different in that it works more in the Lee Pattersonesque area of recording plant and insect activity in still, perhaps stagnant water rather than capturing the sound of water moving itself. This makes for quite a different album. The disc in question sis named Cables and Signs (Ten underwater field recordings) and is a CD by Frenchman Thomas Tilly-TÔ for the Fissur label. A few years back now I was fortunate enough to be able to spend a couple of hours with Lee Patterson as he recorded the sound of underwater insect life at a lifeless pond somewhere in Derbyshire.  The sounds Tilly presents us with on this album are very close to my memories of what we heard on that afternoon. As then I was shocked at the sheer density and variety of sounds to be heard just by placing a hydrophone into the right patch of water, so the music on this new CD confounds our expectations of what we expect to hear on this kind of recording.
Richard Pinnell

Etherreal, 2010

En février dernier, nous assistions à la Société de Curiosités à un concert-diffusion de Thomas Tilly (également actif sous le nom de Tô) qui nous présentait son travail en cours. Quelques mois plus tard, voici l’album complet dont nous avions alors un petit aperçu, entièrement composé de field recordings aquatiques. À l’écoute de ce disque, il sera difficile de ne pas penser à la norvégienne Jana Winderen qui s’est fait pour spécialité le field recording de fonds marins, et on pourra se demander ce qui pousse ces artistes à aller chercher ces sons que l’on ne pourrait écouter autrement.
Mais revenons à Cables & Signs, album d’une cinquante de minutes composé de 10 pistes de formats hétérogènes. Moins exotique que les mers froides fréquentées par la Norvégienne, cet album a été enregistré dans les douves d’un château dans l’ouest de la France. Les sonorités que l’on trouve ici sont bien souvent les mêmes au fil des morceaux : claquements réguliers, grésillements frétillants, grincements, couinements, allant jusqu’au crépitement que l’on pourrait confondre avec un feu (Cables & Signs 4) et aux tonalités nasillardes (Cables & Signs 5). L’unité de ton et le fait qu’il s’agisse ici de purs field recordings, n’ayant subit aucun traitement, confère à l’album un minimalisme extrême, auquel s’ajoute une abstraction radicale. Il n’y a rien ici qui peut évoquer la flore ou la faune subaquatique, ces sonorités nous paraissent complètement étrangères, mais surprennent par leur tonalité, à la fois électroniques et mécaniques, comme s’il s’agissait de bruit de moteurs.
Parfois on surprend quelques incursions du monde terrestre dans cet univers aquatique puisque l’on entend régulièrement quelques piaillements d’oiseaux, une vache au loin (Cables & Signs 6), un avion qui traverse le ciel (Cables & Signs 7) et que l’on imagine se refléter dans l’eau. Dans les notes de pochette, l’artiste nous fait part d’une autre interaction avec l’environnement extérieur, celle qui intervient entre le soleil et cette vie aquatique, se rendant compte que la tonalité de certaines sonorités variait en fonction du niveau de luminosité. On remarquera effectivement que la fréquence des frétillement de Cables & Signs 5 ne cesse de décroitre au fil des 10mn que dure le morceau, mais cela ne suffira pas à nous émerveiller. L’artiste insiste sur la subjectivité de ce travail, et il est vrai que l’on aura énormément de mal à rentrer dans cette œuvre. Peut-être est-ce du aussi au fait que l’on connaissait déjà le principe, évoqué lors du concert auquel on assistait quelques mois plus tôt. Avis aux fans de field recordings, de sonorités nouvelles ou de documents sonores.
Fabrice Allard

>Thomas Tilly/Room field (Magnetic Traces compilation, Swarming)<

The watchfull ear, 2010

The disc opens with a piece from Thomas Tilly, Frenchman that works with field recordings in a very malleable manner, using them here as raw materials to mould and shape into a composition rather than as pure untouched representative matter. Room Field was recorded at Tilly’s home and is formed from sounds captured around the place. The recordings are used in a thoroughly vibrant, exciting way however, slipping suddenly from layered abstract details to a raw, highly visceral wrench of heaving dirty electronics and a scream of barely listenable high pitched feedback while a mass of birdsong, presumably recorded in the garden, can be heard underneath it all. Its a powerful, fresh and exciting piece of music that suddenly cuts dead after a little more than five minutes, never then returning.

>Tô/Ashes tapes (Dérives compilation, Universinternational)<

The watchfull ear, 2009

..Tô is the nom de plume of Thomas Tilly, whose Ashes Tapes piece here is made from “recordings of several periods of nomadic life in France 05-06″. I am reminded of Xenakis’ Concrete ph here, though it could just be the word Ashes in the title that leads me that way. The music is made of a series of small clicking, popping and crackling sounds underpinned by very quiet deep throbs and piercing digital slithers. Again I am unsure how much of this music is the result of careful composition and how much is just the result of some kind of intimate recording process but I guess it matters not as the nine minute piece works well here.
Richard Pinnell

>Tô/Le crock st Laurent (Autum soundscape compilation, Mandorla)<

Earslab.org, 2008

Tô is Elaeis Guineensis from France a great field recorder that created weird organic shapes and magnified broken glass-like textures for this piece. Le Crock St Laurent (number seven) is another personal recommended.
David Velez

>Tô/Etazma (Césaré)<

La mediathèque.be, 2008

Tô est le nom de scène de Thomas Tilly, musicien français autodidacte. Il présente ici le résultat d'une installation sonore, intitulée Test/Tone , réalisée dans le bâtiment de la Cartonnerie, à Reims. Pendant plusieurs jours, Thomas tilly a enregistré le son du bâtiment, avec des microphones et des capteurs sismiques, en établissant une forme de cartographie sonore, qu'il a ensuite restitué au lieu, diffusé sur un dispositif d'écoute pour dix haut-parleurs. Il a ainsi capté les sons, bruits, vibrations et chants magnétiques des murs, des salles et des corridors, sur le principe des détails agrandis de Bernhard Günter ou des sonic lenses de l'Hafler Trio, c'est à dire en inversant les proportions habituelles de l'environnement sonore et en mettant à l'avant plan ce qui généralement est ignoré, inaperçu. Travail scientifique ou synesthésie, cette démarche de " phonographie urbaine " révèle ce que Tilly nomme lui-même ses " croyances animistes ". Le résultat sonore sur disque devient alors une approche subjective, musicale de l'architecture du lieu.
(bd)


Fear Drop.org, 2009

Etazma, c’est un peu Tô « hors les murs », car la musique de Tô était si ancrée à sa terre ; elle avait le goût de terre, on y sentait les matières organiques en profonde reconversion. Etzama, apprend-on, est « composée de captations vibratoires, magnétiques et aériennes, issues de l’installation Test / Tone ». Cette installation est un travail phonographique qui prend pour objet un lieu, la Cartonnerie à Reims, consacré à la diffusion de musiques amplifiées. Les sons captés l’ont été dans l’ensemble du bâtiment, de préférence à travers le filtre des murs. C’est le « résidu » de ces sons qui s’entend ici, fantôme de son qui a traversé la matière. Loin de s’y perdre toujours, il s’en trouve parfois accru, élargi il gagne la densité de la paroi en la faisant toute résonner. Rares sont les échos de voix, plus nombreux sont des drones profonds et vrombissants – jusqu’à l’inquiétude –, grésillant en pointe, en pluie. Thomas Tilly / Tô joue brillamment avec leur ouverture, les fuselant ou les dissipant en la réglant. On voit alors qu’il teste et agrandit leur grain, fait apparaître en fond une nappe blanche de drone réfrigéré ; il est peut-être en train de laisser passer métaphoriquement les grains de sons entre ses doigts, puis, à l’inverse, de les compacter en poignée, comme il le faisait avec sa terre.
Denis Boyer

Earslab.org, 2008

I was first introduced to the sound works of Thomas Tilly, otherwise known as Tô, on myspace. Later, I heard his track 'Le Crock St. Laurent' on the Mandorla Autumn Soundscapes Compilation. Make no illusions about it, Thomas Tilly's sound compositions are absolutely amazing and I've been seeking out his works for some time now.
The interesting thing about myspace, whether you love it, hate it or could simply care less altogether, is that it puts one in a position to experience the workings of other people. Most importantly, there are times in which you might come across something you may have missed otherwise. This is the exact senerio that brought me into contact with Thomas Tilly's sound work, which falls under the monkier of Tô. After hearing several releases by Tô, I decided to make the focus my review on 'Etazma.
'Etazma' clocks in at around 22:00 minutes and features some intersting transitions, beginning with some low-end static builds/drones and subtle interuptions that eventually culminate and give way to an abrupt cut-off. Throughout the remainder of the release, this theme remains fairly constant with differing variations in phrasing and timing. That said, one can easily sense the underlining precision in this piece and the dynamics that Tilly incorporates into 'Etazma' are often times quite superb also. These things are all nice, however, for me, the most stunning character of his compostions are found in the pristine quality of the recordings coupled with Tilly's unique sense of sound placement. In this regard, the sounds that Tilly uses for these recordings are certainly derived from field recordings and my thought is that many of the sounds used are left unprocessed for the most part. Given this, 'Etazama' gives way to a variety of interesting aural landscapes that I'm glad not to have missed out on.
Christopher Mc Fall

Revue & Corrigée, 2008

Quel plaisir de retrouver le travail de Thomas Tilly, alias Tô, récompensé par la fixation sur cd de son installation "Test/Tone" par le label rémois Césaré (aussi studio de création). Vous avez certainement déjà croisé Thomas Tilly, gaillard de près de deux mètres, baroudeur des musiques environnementales, expérimentales et électroacoustiques. Fruit d'une résidence à la cartonnerie (centre culturel avec des salles de spectacle et studios) et d'une collaboration avec les studios Césaré, dirigés par Christian Sebille, le disque propose de revivre l'installation Test/Tone, espace d'écoute résultant d'une étude du bâtiment de la Cartonnerie. Pièce pour dix hauts parleurs qui reproduit les sons captés en son enceinte, avec une approche sur les vibrations, les champs mégnétiques et les flux de personnes travaillant dans le lieu, nous dit la pochette. On pense à Lionel Marchetti pour le montage, Brandon Labelle pour le travail sur les vibrations et Francisco Lopez pour la gestion du silence et des dynamiques. Belles sonorités, lbel objet et belle consécration. Bref, à découvrir.
Cyril Lanoé

STNT, 2008

Tô, alias Thomas Tilly est un artiste originaire de Poitiers ayant déjà à son actif plusieurs sorties dont le magnifique "Elaeis Guineensis". Réalisant diverses prestations scéniques en solo ou à travers le groupe l'Echelle de Mohs, il réalise également des installations sonores. Ce "Etazma" s'inscrit dans cette lignée car il est le fruit d'une installation "Test/Tone" réalisée à la Cartonnerie de Reims courant 2007; à savoir un espace dans lequel étaient disposés dix hauts-parleurs diffusant les sons du bâtiment même. Expérience qui devait être intéressante à vivre, le rendu de ce dispositif est donc une pièce de de 22 (petites) minutes offrant une musique aérienne composée de vibrations, champs magnétiques, flux de public ou activités de personnes travaillant sur le lieu. Loin d'être une musique drone ou concrète, Tô préfère varier les ambiances en nous surprenant parfois à travers des crépitements soudains, des sons cycliques ou bien encore des arrêts ou arrivés de sons brusques au milieu d'ambiances hypnotisantes. Au final, un morceau ambiant organique à écouter de préférence à fort volume dans de bonnes conditions afin de profiter au milieu de cette expérience fantomatique. A noter que l'on peut retrouver Tô sur une compilation téléchargeable du net label Mandorla (www.mandorla.com.mx) avec, entre autres, Kim Cascone, Francisco Lopez et Sébastien Roux.
Jarjard

>Tô/Elaeis Guineensis (fissür)<

Impojazz, 2006

Sons indistincs comme ceux de la vie, indistinction même des enregistrements faits sur le terrain, en Guinée, et des montagnes sonores du studio. Travail de mémoire involontaire ou le musicien laisse son corps agir, bercé par les sons et les souvenirs, cherchant à faire entendre la perte, l'absence de perspective, les plans brouillés comme dans l'énumération que découvre le cd quand on l'ôte du boîtier "clay-childs-pain-devils-water-insects-animism-refugees-noises-healer-spirits-voices-sacred-places fever". Thomas Tilly nous place à l'intérieur sans architecture d'une rumeur musicale grumeleuse, dans un temps bien antérieur à toute construction, dans un laisser-aller que, malgrès son faible niveau et ses caractéristiques sonores bien différentes, on pourrait peut être comparer au laisser aller du free, signe lui d'un débordement des digues. Qu'y avait-il dans les sons avant que toute construction musicale vienne former notre oreille? semble se demander Thomas Tilly.
Noel Tachet

Etherreal, 2005

En juillet 2002, le label parisien Evenement invitait le Poitevin Tô au Batofar lors d’une soirée dédiée au label. Tô ouvrait la soirée et fut une excellente surprise, produisant une musique sensible sans le moindre instrument, créant ses sons en direct, captant le bruit de la cire de bougies qui tombe, le ronronnement d’un disque en papier de verre sur une platine vinyle, etc... Sa musique qui comporte un aspect primitif ressemble à une mise en forme de données sonores récoltées par un ethnographe. Pour ce nouvel album, Thomas Tilly est allé en Guinée pour capturer des sons et ambiances naturelles, avec lesquels il compose.
Le titre, Elaeis Guineensis fait directement référence au pays, mais il s’agit en fait du nom latin d’un arbre, le palmier à huile. La référence à la nature est immédiate, bien que codée, à l’image de cette pochette, impression sur papier calque de branchages, que l’on peut voir aussi comme des veines, replaçant l’humain dans son milieu naturel. On a beau écouter cet album tranquillement chez soi, confortablement installé, rédigeant cette chronique sur un laptop dernier cri, en pleine ville, entouré d’immeubles, la musique de Tô nous renvoie à nos racines, à la nature dans ce qu’elle a de plus simple, à ce dont on ne fait plus attention, à ce que l’on finit par détester, comme l’orage qui ouvre ce disque, menaçant, puis la pluie, source de tintements ou crépitements, suivant qu’elle tombe sur des ardoises ou des brindilles.
A ces sons ambiants qui font de la musique de Tô de la musique concrète, se joignent d’autres bruits plus abstraits, plus "musicaux" au sens classique du terme, et servant de liant. Il s’agit principalement de souffles et drones, rapprochant cette musique concrète d’une ambient minimale. Ces composantes varient doucement, provoquent quelques élans, montées inquiétantes, évoquent un vent glacé alors que l’on est sensé se trouver en Guinée. Avec ses 24 minutes, le dernier morceau représente plus de la moitié de l’album, mais malgré sa durée hors norme, c’est celui qui devrait plaire au plus grand nombre. Après le tonnerre au loin, la pluie, les piaillements d’oiseaux pendant une accalmie, ce qui semble être un accord de violoncelle prend le relais. S’ensuit une magnifique montée, superposition de drones, jets de souffles bruitistes, pour une tension qui paraît infinie, et comparable sur la forme à un certain post-rock. La musique de Tô ne fait pas dans l’esbroufe. Pas d’explosion finale. Une fois l’orage passé, les esprits (de la nature) apaisés, la vie reprend son cours. La pluie finit de tomber, bientôt les oiseaux reprendront leur chant, et ici les voitures continuent de circuler. Elaeis Guineensis, c’est un peu la Guinée chez vous, c’est aussi peut-être ça que l’on devrait appeler "musique du monde", car en fait on aimerait déjà que ce disque connaisse une suite afin de poursuivre le voyage, dans un autre pays.
Fabrice Allard

Jade webzine, 2005

Prises de sons bruts orchestrées en 2003 en Guinée, localisées en divers lieux du pays avec comme acteur central la forêt guinéenne, ce disque est décomposé en en trois phases, trois étapes ou s'entrecroisent et se sur impressionnent des thématiques mêlant en un tout éléments naturels, rites, mythes, quotidien, politique. Ainsi l'auteur, Thomas, au détour de ces intitulés; refugees animism, pain, devils, insects, spirits, sacred places,etc. explore à nouveau, en se renouvelant les points de frictions, d'achoppement entre nature et culture. Un travail ethnologique sur le fond, environnemental dans son expression formelle ou, armé de son micro, à la façon d'un Francisco Lopez, il part capter l'esprit d'un lieu, d'un peuple, d'un pays. Rires et chants, bruits et pluies nocturnes, agitation biologique, fantasmes en filigrane de la forêt...voici un pur moment de composition environnementale, à la hauteur des principaux artistes du genre. Un audio reportage finement ciselé, qui retranscrit avec force et expression les aspects les plus complexes comme les détails le"s plus fugaces de ce bout de terre d'Afrique.
Julien Jaffré

Ligne de mire, 2008

Thomas Tilly, alias Tô, pictave adepte du fiel recording, procédé d'enregistrments environnementaux, nous promène au fil de ses albums au royaume du craquement délicat jusqu'au vent extrème et assourdissant. Le matériel d'Elaeis Guineensis a été collecté en Guinée, c'est à dire nulle part pour paraphraser Alfred jarry et son Ubu roi. A près tout peu importe du bruit si celui-ci est magnifié par son possesseur (qui sans l'aide d'un guérisseur a tout de même failli clamser sur place!). Point de rythmes binaires et autres poum-tshack chez Tô. Pas besoin de clefs ou d'initiations, il suffit de se laisser emporter par le vent, le feu, la pluie et le reste....J'allais oublier : Elaeis Guineensis est le nom latin d'un arbre endémique de la Guinée, les autochtones dans leur language indigène le nomment....tô. Il est à prévoir qu'à son retour, tout les alcools Roumains porterons son nom. A la tienne Thomas!
L.B.

>Tô/Memory of(f) (fissür)<


Fear drop, 2004

Intime, le drone de Tô sur le cdr Memory of(f) rend coimpte d'impressions collectées dans les endroits importants de son enfance. Souffle aérien, crépitements, tourbillons métalliques : ils font voler les parfums sonores comme autant de charge de mémoire. L'audition doit être expérience émotionnelle, loin des implications affectives de l'auteur - quelques grincements nus ne permettent pas ce lien, mais plus loin l'épaisseur de la texture aide à concentrer la lumière sur la chute de vrombissements infras.
DB

Revue & Corrigée, 2004

L'évocation du souvenir, de la mémoire intrinsèque des lieux et des objets est un sujet récurrent, une étude sensible qui précède souvent la réflexion. Tô, jeune poitevin, déjà auteur de deux courts albums à son compte stimule ici son approche/aiguille sa démarche/éperonne notre curiosité en prenant à témoin 2 lieux qui lui sont familiers : le grenier de la maison familiale et la forêt mitoyenne. Deux lieux fortement chargés émotivement, relatifs à son enfance qui ont également la particularité d'être chargés symboliquement, puisqu'ils correspondent à un lieu vide (fermé) et plein (ouvert), un peu à la façon d'Antifrost et son Void/Full.
Thomas (Tô) s'exerce à la retracer au travers de ces prises de sons environnementales et de manipulations concrètes d'objets prélevés sur place (écorces, branches, eau), mémoire perdue des lieux, des gens et des vies qui ont traversés ces espaces. Une forme d'ethnographie des sites. La mise en parallèle de ces lieux fermés et ouverts évoque par résonance d'autres problématiques en marge des champs musicaux, qu'il soit question de territorialité sur l'isolement, la nature, la solitude. Un album autoproduit d'une belle intensité, proche des réflexions d'Eric la Casa sur ce thème, des productions Ouïe dire, voir d'une approche quelquefois similaire à Hazard (wind, wood, north, notamment) sur Touch.
J.J

Zic boom, 2004

Comme le vent ne quitte jamis la terre, le souvenir ne quitte jamais le lieu. Tant par l'écoute que par la manipulation des objets qui s'y trouvent, Tô impose son corps comme médium à la mémoire. Dans le grenier de son enfance, papiers déchirés, roulements et autres frottements dessinent une présence, dont la tranquilité ne semble troublée que par des crescendos ou saturations qui affirment un lien constant avec l'extérieur : la forêt, un feu, un avion. Tô nous invite à nous poser au coeur de la vibration des matières et affirmant leur vie, il touche à une partie de la nôtre - confirmant, aussi, l'écoute sensation qu'annonçait un artwork placé sous le signe de l'empreinte. Peu importe finalement d'ou vient ce grincement qui se fait presque mélodie, il me rappelle en retour la balançoire de mon enfance. Ce disque met entre parenthèses l'extinction de la mémoire - "memory of(f)" - pour dire la possibilité (la nécessité?) du souvenir. Sans paroles, par les seuls gestes et leurs sons. Du lieu là. Et de Tô qui s'y (re)trouve.
Elodie Hemmer

>Tô/Untitled (fissür), 2002

Jade webzine, 2002

On ressent l'application et la méthode avec laquelle les concepteurs conçoivent leur musique. Un environnement ou les interférences discrètes et les aspérités sonores, grésillements des instruments et outils détournés de leur fonction première se coordonnent pour former une orchestration sensible, discrète et imprévue. Quatre pièces courtes qui se répandent sur la surface de l'air comme une onde, par ronds concentriques, élargissant leur qualité au long des écoutes. On oscille entre des phases concrètes et de l'expérimentation minimaliste et environnementaliste qui trouvent écho chez les chercheurs de touch, ou encore Francisco Lopez. Une somme de matériaux, droit tirés d'une énumération à la Prévert : pierres, poudre de grès, bouche d'aération,xylo, brosse métallique, téléphone, argile, bille d'acier soumise au joug de samplers et de vinyls préparés, capteurs sonores. Très bon.
J.J

>Tô/démo, 2001

Jade, 2002

On reproche souvent au jeunes structures de manquer de maturité ou de s'affirmer sur des terrils créatifs maintes fois foulés. Tô, originaire de Poitiers, snobe avec élégance et savoir-faire les poncifs attribués par convention aux premières productions. Bien évidement, le manque de relais locaux quand à la production improvisés les a obligés à monter leur propre label "fissür". Les voir opérer sur scène est un régal; la multitude des instruments mis en oeuvre, les savants agencements, bricolages contribuent à donner un aspect ludique qui prend au delà du concert une allure de performances enfantines, dignent d'un Frederic Le junter...mais avec l'esprit de Voice Crack. Des cellules, des tourne disque préparés, avec des caténaires bidouillés, des fils qui s'entrecoisent viennent déclencher des capteurs et des micros...La musique s'affiche ouvertement dans une lignée minimaliste avec une ouverture environnementaliste chère à Francisco Lopez, sensibilités, sensations de l'existence, petites fêlures sonores, abrasions discrètes. On notera l'éffort apporté à la pochette, constituée de papier de verre (non pas à l'intérieur, comme chez Marclay et les Dustbreeders). A l'opposé de la texture rèche de la pochette, la musique de Tô nous caresse doucement, sans nous heurter.
J.J